Discos conceptuales: Arcade Fire – Funeral (Especial 20º Aniversario)

Amados y odiados por igual, Arcade Fire son posiblemente la banda total de las últimas dos décadas. Aunque su trayectoria se ha vuelto últimamente tortuosa, su huella en el mundo de la música global es innegable. Su disco debut que hoy celebra los 20 años de vida, es uno de los mejores discos de todos los tiempos. Sí, lo has leído bien, TODOS los tiempos. Un debut marcado por la muerte y por la negación a crecer, por el miedo a dejar la infancia y llegar al mundo de los adultos. Un disco sobrecogedor, harmonioso, triste y feliz en partes iguales. Vamos a hablar un poco más de este Funeral (2004), el disco que cambió las reglas del juego.

Concepto detrás de Funeral

Funeral fue compuesto por la banda de Montreal tras unos tiempos en que todos sus componentes perdieron personas cercanas: amigos, hermanos, padres… Todos estos inesperados fallecimientos provocaron un cenit creativo así como unos vendavales internos en cada miembro que colapsaron creando un disco total.

Realmente no existe un concepto sobre el que gira Funeral, o sea, la idea de la banda no era la de hacer un disco conceptual al uso. Pero todo acabó girando en una dirección concreta con lo que podemos considerar que sí existe un contexto o una temática concreta que une todas las piezas de este magnífico disco debut.

Al estar escrito y grabado en una época en la que todos los miembros de la banda habían perdido gente recientemente es algo normal que la muerte esté presente en el disco pero la banda lo trata de una forma luminosa, cada canción está impregnada de romanticismo y abrazo a la vida. Además, por aquel entonces Norteamérica parecía encontrarse en un estado de vulnerabilidad emocional que impregnaba gran parte de la cultura pop, todo esto hirvió en las mentes y almas de unos artistas que deseaban contar todas estas sensaciones de la mejor forma posible.

Además, también podemos ver que toda esta muerte cercana provocó que estas almas aún libres y jóvenes se plantearan por primera vez el concepto de “crecer”. El miedo a crecer es algo recurrente en los jóvenes, sean de la generación que sean. Cruzar el umbral de la juventud a una época de consciencia madura implica miedo, tragedia, frustración. Arcade Fire juega sus cartas, buscan de forma introspectiva el cómo y el qué, aprenden a reflexionar sobre la vida y el paso del tiempo así como visualizar la muerte como ese final.

Cada una de las canciones tienen un aporte a todo este concepto global, cada una de ellas visualiza una forma de honrar el pasado, querer evitar el presente y soñar con esa eterna juventud que poco a poco el mundo nos ha ido arrebatando a todos. Tenemos unas canciones que funcionan como historias de comunidades (hay cuatro canciones que giran en torno al “vecindario”), otras tratan sobre la relación entre padres e hijos, otras tratan sobre el amor jovial y otras en las relaciones entre hijos. Abundan los recuerdos lejanos pero imborrables de hermanos que se adentran en un mundo ahora vacío y negro.

Si rebuscas un poco más en las letras también puedes ver que la banda habla sobre la muerte de la civilización donde los supervivientes encuentran sus breves momentos de romance mientras el mundo se apaga a su alrededor y empiezan a olvidar cómo eran las cosas antes.

Sin embargo y contrastando con la temática más triste y oscura, todo ello está impregnado de un sentimiento de esperanza más que de pesimismo, una voluntad de empezar de nuevo a partir de las últimas chispas de este mundo moribundo. Esto se percibe especialmente en la letra, llena de deseo y desesperación, pero que pide a gritos que alguien o algo se aferre a ella.

Las canciones

Más allá de la temática, a nivel musical podemos ver que se trata es una mezcla frenética, una carrera hacia delante, complejas capas de instrumentación intrincadamente ensambladas pero tocadas con excitado abandono. Donde caben tres instrumentos, la banda pone el doble formando así una música barroca poco conocida hasta la fecha. Los instrumentos aparecen y desaparecen a veces sin sentido pero siempre aportando esa nota, esa melodía que siempre camina hacia la perfección melódica.

Hay diez canciones que suman algo menos de 50 minutos. De estas diez piezas podríamos considerar que tres de ellas son perfectas en todos sus aspectos: “Neighborhood #1 (Tunnels)”, “Wake Up” y “Rebellion (Lies)”. De estas tres hablaré independientemente y extensamente más adelante.

Aunque para entender “Neighborhood #2 (Laika)” podríamos considerar que es necesario comentar algo sobre “Neighborhood #1 (Tunnels)” me lo saltaré a la brava. Esta segunda canción cuenta la historia de la famosa perra Laika, quienes los soviéticos mandaron al espacio en un viaje de no retorno. a oscura letra de la canción complementa su melodía pegadiza. Las líricas primera cuenta la historia de “Alexander” de ser enviado a la aventura. La aventura, por «good of the neighborhood» (“el bien del barrio”), en última instancia, terminar con la muerte de “Alexander”. El tema de la canción sería: “hay algo peor que huir de tu barrio: no tener casa a la que volver”. Según Will Butler:

«Es una gran historia sobre un perro siendo la primera criatura viviente enviada al espacio. Hace esta cosa espectacular, pero sin tener alimento y viéndose asimismo caer de vuelta a la Tierra.”

En “Une année sans lumière” («Un año sin luz»), el grupo entrelaza una melodía tenue y melancólica con imágenes dominadas por las sombras. La canción esboza y refleja la oscuridad y el frío de los días de invierno en Canadá. La letra comienza con una imagen de farolas apagadas, simbolizando una falta de claridad o guía en la vida. Esta metáfora se extiende a lo largo de la canción, sugiriendo un período de incertidumbre o confusión. El estribillo “Hey, my eyes are shooting sparks, La nuit, mes yeux t’eclairent” («Hey, mis ojos están disparando chispas, en la noche, mis ojos te iluminan») introduce un contraste entre la oscuridad y la luz.

“Neighborhood # 3 (Power Out)” habla de un apagón «en el corazón del hombre», pero insiste en la acción, en encontrar la luz, en recuperar la energía que una vez tuvimos. La letra de la canción se se inspira en Montreal durante la tormenta de hielo de América del Norte de 1998, que dejó a la ciudad en la oscuridad durante más de una semana. Chassagne vivía en Montreal en el momento, y su experiencia, permitió a las dos de la inspiración inicial para escribir la canción. A pesar del ambiente pesimista, Butler comentó que hay dos interpretaciones de las letras pero que siempre se tiene que interpretar de forma edificante. También comentó que la canción puede ser interpretada políticamente, como figuras políticas actuales han sido acusadas de actuar con motivos ocultos.

“Neighborhood # 4 (7 Kettles)” explora temas profundos y existenciales a través de una serie de metáforas y observaciones sobre el paso del tiempo y la vida en comunidad. Desde el inicio, la letra nos sitúa en un estado de espera indefinida, donde el tiempo parece avanzar sin un propósito claro. La imagen del tiempo ‘deslizándose por el vecindario’ y afectando tanto a los ancianos como a los bebés sugiere una visión cíclica y a veces cruel de la vida, donde el envejecimiento y la renovación son inevitables. La letra sugiere que cerrar los ojos no cambia nada, y que el tiempo sigue avanzando.

Seguimos con una balada preciosa titulada “Crown of Love”, en este caso no es más que una profunda exploración de la pérdida y el dolor en el contexto de una relación amorosa que se desmorona. La letra está impregnada de una sensación de desesperanza y arrepentimiento, comenzando con la idea de que el amor se desvanece si se permite. En su ecuador la canción sube un punto el melodrama con un Will cantando casi al falsete de forma maravillosa.

Tras “Wake Up”, canción que comentaré algo más adelante, nos encontramos con “Haiti”, canción cantada en partes iguales en inglés y francés. En ella la banda profundiza, como bien indica su nombre, en el país caribeño de Haití. La canción es una poderosa y emotiva reflexión sobre la historia y el sufrimiento de Haití, un país marcado por la violencia, la opresión y la lucha por la libertad. Arcade Fire utiliza esta canción no solo para rendir homenaje a Haití, sino también para recordar al mundo la importancia de la memoria histórica y la resistencia frente a la opresión.

Y otra vez saltamos una, en este caso “Rebellion (Lies)” para aterrizar ya a la canción que cierra el disco titulada “In the Backseat”. En ella la banda habla de forma profunda sobre la fragilidad de la vida y la inevitabilidad del cambio. La muerte de una tal Alice, posiblemente una figura cercana y querida, obliga al narrador a enfrentarse a la realidad y asumir responsabilidades que antes evitaba. Es entonces una reflexión profunda sobre la tranquilidad, la pérdida y el proceso de maduración.

“Neighborhood #1 (Tunnels)”

No hay mejor manera de iniciar un disco que con esta increíble canción titulada “Neighborhood #1 (Tunnels)”. La bella melodía inicial de piano y guitarra a la que se añade la cálida y esperanzadora interpretación vocal de Will va in crescendo hasta aterrizar a un estribillo de esos que se adueñan del oyente hasta el fin de los tiempos.

La canción trata de crecer y envejecer. El cambio visto des de una perspectiva juvenil. La canción tiene un enfoque introspectivo y en la canción podemos detectar nostalgia, aislamiento y la búsqueda de conexión en un mundo cambiante. La letra comienza con una situación hipotética donde la nieve entierra el vecindario del narrador, simbolizando posiblemente los desafíos y los cambios que aíslan a las personas de sus raíces y recuerdos familiares.

“El acto de cavar un túnel desde su ventana hasta la de otra persona sugiere un deseo profundo de reconectar, de mantener una relación a pesar de las barreras físicas o emocionales que puedan existir. Esta acción puede verse como una metáfora de romper el aislamiento y buscar la intimidad en un entorno frío e indiferente. La mención de ‘dejar crecer el cabello largo y olvidar todo lo que solíamos saber’ refleja un deseo de renacimiento y de empezar de nuevo, dejando atrás las normas y expectativas previas.”

En conjunto, «Neighborhood #1 (Tunnels)» es una exploración lírica de cómo las personas pueden buscar y encontrar conexión y significado en un mundo que a menudo parece desconectado y frío.

“Wake Up”

La segunda canción más popular de Arcade Fire es “Wake Up”, canción que muestra a la banda en todo su esplendor por primera vez. Se trata de una poderosa reflexión sobre la pérdida de la inocencia y el crecimiento personal. Los barridos de guitarra con los que se abre son ya un clásico, y es toda una experiencia sentir en directo este tema sobre los muchos desengaños al crecer.

La letra comienza con una sensación de vacío en el corazón del narrador, una metáfora de la desilusión que a menudo acompaña al proceso de madurar. La recomendación de no llorar que se le dio cuando era más joven se revela como una mentira a medida que el narrador se da cuenta de que el mundo adulto no es tan simple ni tan puro como parecía en la infancia.

En el segundo tramo de la canción se vislumbra ese momento en la vida de todos los humanos en el que somos conscientes de que nuestros actos deben ser responsables pues la vida no es tan fácil como nos decían de pequeños. La canción termina con una aceptación resignada de la realidad, pero también con una nota de esperanza. El narrador declara que puede ver hacia dónde se dirige, incluso frente a la muerte.

“Rebellion (Lies)”

La última gran pieza de Funeral es también mi preferida de la banda. La más volátil, ligera y festiva de todo el disco trata sobre cuestionarse las imposiciones de la sociedad. Como su nombre indica, llama a la rebelión en contra de las mentiras de la sociedad. Arcade Fire cogen este planteamiento, que en otras manos podría ser sonrojante, y nos dan una maravillosa representación de la rebeldía infantil en cuyo vemos a los artistas como si fueran el mítico flautista de Hamelín despertando a los niños y llevándolos al bosque, además de mostrar ese lugar seguro infantil que es esconderse bajo las sábanas.

La letra sugiere que el acto de dormir, o más bien la inacción y la pasividad, es una forma de rendición, un mensaje que se refuerza con la repetición de la frase ‘Sleeping is giving in’. La banda anima a mantener los ojos abiertos, tanto literal como metafóricamente, para enfrentar las ‘mentiras’ que nos rodean. El fantástico coro de la canción, ‘Every time you close your eyes, Lies, Lies!’, actúa como un poderoso recordatorio de que cerrar los ojos ante la realidad es ignorar las falsedades que se nos presentan a diario.

La canción también aborda la idea de que los sueños y la imaginación son un refugio y una forma de resistencia contra las restricciones de la realidad. “Rebellion (Lies)” es un ejemplo de cómo utilizan su música para incitar a la reflexión y al cuestionamiento de las normas establecidas.

Cifras y curiosidades

El legado de Funeral es aún hoy incalculable por al cercanía de la efeméride. Pero podemos hacernos a la idea de lo que supuso y sigue hoy aún suponiendo para el mundo de la música. El álbum produjo cinco singles, siendo “Rebellion (Lies)” el más exitoso, alcanzando el puesto 19 en la lista de singles del Reino Unido. El álbum fue nominado a un premio Grammy en 2005 al mejor álbum de música alternativa. Recibió elogios generalizados de la crítica y encabezó muchas listas de fin de año y de década, siendo considerado a menudo uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Según el sitio web Metacritic, el álbum es el segundo que más veces ha aparecido en las listas de los 10 mejores álbumes de fin de década, sólo por detrás de Kid A, de Radiohead. En la versión actualizada de 2020 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de Rolling Stone, se situó en el número 500. Mientras, en el portal RateYourMusic, Funeral tiene la exigente nota de 3,94/5,00 haciendo la media entre más de 47.000 ratings siendo el cuarto mejor disco de 2004 y situado en el 167 de la lista de los mejores de todos los tiempos.

Funeral se grabó en gran parte durante una semana en el Hotel2Tango de Montreal, Quebec, en agosto de 2003. También se realizaron grabaciones adicionales en el apartamento de Régine Chassagne y Win Butler. El coste de producción del álbum se estimó en unos 10.000 dólares.

El disco salió a la venta en Canadá y Estados Unidos el 14 de septiembre de 2004, y en el Reino Unido el 28 de febrero de 2005. Una crítica muy positiva de Pitchfork, que otorgó al álbum una puntuación de 9,7 sobre 10, fue citada con frecuencia como un factor clave que impulsó a Funeral hacia el reconocimiento generalizado y el éxito comercial. El álbum entró en la lista Billboard 200, una primicia para Merge Records; también fue el más rápidamente vendido en la historia del sello. En noviembre de 2005, el álbum había vendido más de medio millón de copias en todo el mundo, y en marzo de 2007 había vendido casi 750.000 copias en todo el mundo. La Record Industry Association of America certificó el álbum como disco de oro por las más de 500.000 copias vendidas en Estados Unidos.

Funeral ha sido designado como “uno de los discos de rock más triunfantes” de todos los tiempos. Stereogum lo clasificó como “posiblemente el álbum de indie-rock más influyente” de su tiempo, mientras que Guitar.com lo consideró albergar “algunos de los himnos más delirantemente eufóricos” de la década de 2000.

Stuart Berman, de Pitchfork, consideró que Funeral convirtió a Arcade Fire en «iconos instantáneos del indie-rock», ayudando a que el género pasara de ser «un movimiento marginal nacido de las circunstancias económicas» a «un modelo de carrera al que aspirar». Chris DeVille, de Stereogum, lo describió como «una guía práctica para la música rock grandiosa, artística y catártica» que resultó «imposible de replicar». Le atribuyó el nacimiento de futuras características del indie rock, como el trabajo coral «cantarín», la instrumentación orquestal y otras. También consideró que el álbum popularizó la grandeza del arena rock en el género, sustituyendo al «distanciamiento irónico» del también grupo indie Pavement.

Beto Lagarda

Rock en todas sus extensiones