Entrevista a Birk Gjerlufsen Nielsen, guitarrista de Demon Head: ‘La mayoría de la música le pide muy poco a sus oyentes, oprimiendo con demasiada frecuencia las emociones y los valores’

Hola, ante todo decir que vuestro último disco es excelente. Tuve la ocasión de hacer la reseña hace ya algunos meses. Son solo hay ocho temas, pero suficientes como para evidenciar que Demon Head tiene una propuesta muy interesante. Tenéis un estilo muy fresco capaz de combinar desde doom metal a post punk. Aunque creo que vosotros preferís hablar de rock diabólico escandinavo… ¿Es así?

Hola, Jordi. Muchísimas gracias por tomarte tu tiempo para charlar con nosotros. Vivimos tiempos en los que sufrimos una demanda necesaria hacia las bandas en la se necesita etiquetar la música de los grupos bajo unas pocas palabras cautivadoras, todo ello, para así adaptarnos a los filtros necesarios en los que el público mayoritario, en general, se ve necesitado para clasificar la música. Así que decidimos presentar nuestra música como diabolic rock. Personalmente no le presto atención alguna a los géneros. La música es sólo música. Tonos, armonías, timbre, ritmo, tempo, dinámicas, palabras… Pasamos algunos años frunciendo el ceño ante personas y periodistas que pensaban que tocábamos stoner, retro rock, doomo cualquier etiqueta que pudieran encontrar en Internet. Así que con este nuevo álbum hemos intentado distanciar a nuestra banda de todos esos términos a través de una presentación muy explícita de nuestra estética como grupo. Así que os dimos formas ardientes de hierro, huevos alados, astillas de la columna vertebral de Jesucristo y… rock diabólico.

¿Y por qué sólo ocho temas?

Nuestro proceso de componer música normalmente se manifiesta en canciones que duran alrededor de unos pocos minutos. Así que realmente no podíamos encajar mucho más en la totalidad de reproducción de los dos lados de un vinilo de 12 pulgadas y a 33 rpm. Inicialmente sólo grabamos seis canciones, las electrificadas de Hellfire Ocean Void. Pero añadimos «Rumors» y «Labyrinth» como otra dimensión al conjunto. Ambas canciones fueron compuestas y grabadas en directo con una grabadora estéreo durante un fin de semana en una casa de campo en la costa norte de las islas en las que se construyó Copenhague.

He leído que en vuestros primeros pasos (en 2012) el estilo de música del grupo estaba más cerca del doom metal, pero hoy puedo apreciar algunas influencias que van desde Billy Idol a To/Die/For. ¿Cómo puedes explicar la evolución musical de Demon Head hasta hoy?

Bueno… cuando empezamos no teníamos realmente claro lo que queríamos. Sólo que queríamos tocar juntos en una banda de rock honesta. Esta fue la primera banda en la que toqué la guitarra y también la primera en la que Marcus empezó a cantar, así que… ¿tal vez el término doom metal viene dado de la simplicidad de nuestras estructuras en las canciones de entonces, basada en unos riffs apenas conseguidos con nuestras limitadas habilidades musicales? No lo sé, en esos tiempos escuchábamos mucho a Black Sabbath. Pero también mucho a Thin Lizzy y Neil Young. Cuando comenzamos a escribir nuestro segundo álbum Thunder on the Fields, habíamos tocado ya muchos shows por todo el continente, así que nos vimos obligados a conocernos mejor entre nosotros hasta el punto de ser los amigos íntimos que ahora somos. Ahora nos sentimos mucho más seguros estando en nuestra compañía y así permitimos a nuestro propio yo reflejarle a los otros nuestras propias personalidades y nuestras emociones, los deseos y las ambiciones que nos llevan hacia una expresión musical, dentro de la cual, cada uno de nosotros se siente a la vez molido y levitando. 

Hellfire Ocean Voides en gran medida una continuación de este desarrollo personal y colectivo. Escuchamos todo tipo de música diferente y todo eso se queda consciente o inconscientemente en lo que componemos. Personalmente, si me exprimo mucho el cerebro, no podría nombrar una sola canción de Billy Idol, ni una canción de To/Die/For, pero no me sorprendería demasiado si alguno de los demás hubiera encontrado inspiración allí.

Necesitamos saber qué hacéis sobre un escenario. ¿Tenéis algunos trucos de shock rocko preferís concentraros en la interpretación musical? ¿Cómo es un show de Demon Head?

Preferimos centrarnos en la interpretación de la música. ¿Qué más hay que hacer, realmente? Aunque tal vez no se aprecie desde fuera, la estructura interna de nuestras canciones es bastante complicada y no nos repetimos mucho. Los pequeños cambios son sutiles y constantes. Así que necesitamos concentrarnos mucho cuando actuamos. Dicho esto, tocamos de una manera muy enérgica: los tambores son golpeados, las cuerdas están forjadas, las voces están rotas y los movimientos corporales expresan lo que el momento y la música no logran expresar. Cuando salgamos de gira con Coven saldremos para una aventura de meses, que es mucho tiempo para tocar la misma música todas las noches, pero sé a ciencia cierta que con cada concierto que se toque, nuestro enfoque se desplazará de nuestras cabezas y de nuestras manos hacia nuestros corazones, de forma colectiva y en todo su conjunto.

Supongo que será un sueño hacer una gira con Coven. Nunca pensé en la posibilidad de asistir en pleno 2019 a un show de Coven, por lo que es una pasada. Supongo que amas a Jinx y a Coven…

Va a ser una aventura perversa. Tocamos con ellos en Copenhague hace un año y su actuación fue muy fresca y actual; no me pareció un show de “viejos dinosaurios” como sí me pareció cierto concierto de Deep Purple al que asistí unos años antes.

En cuanto a tus ilustraciones y letras, parece que la banda, como Coven, tiene algunas conexiones con el ocultismo y un lado diabólico. ¿Demon Head es una banda satánica-paganista?

Cuando usas el término paganismo, debo decir que mi presencia en el mundo se basa en la situación actual, hacia mi entorno inmediato, con los términos y las condiciones de un mundo complejo, y no creo que las ideas «románticas» y nostálgicas de paganismo tengan algo para complementarnos en el tiempo en que vivimos.Y me parece innecesario y un poco ridículo estilizar y hasta cierto punto capitalizar el ocultismo, el paganismo y el satanismo, o lo que sea, bajo los símbolos de velas negras y huesos de animales. Supongo que estoy más interesado en mantenerme abierto a todo aquello que quiera habitar mi cuerpo y mi alma y ganar experiencia con lo que sea que mis nervios experimenten. Ya sea mi amor por las aves, mi odio al capitalismo, mi incredulidad en la humanidad, la sensación de autoestima y de tener un look cool o mi fascinación por la música de Deathspell Omega. Eso no quiere decir que quien quiera experimentar con las formas ocultistas estereotipadas pueda hacerlo y que adquiera algo de experiencia en ello. Las personas deben hacer lo que consideren.

Una cosa que me encanta es ver en su sitio web que podemos comprar vuestro último álbum en cassette. Parece que el vinilo contraataca, pero… ¿crees que es una buena idea vender cintas de cassette en 2019? 

Las cintas de casete han resistido y son un formato importante en el underground; casi tan barato como un CD, Bandcamp o Soundcloud, pero debido a su carácter poco práctico se está distanciando de la marca comercial, y en oposición al formato digital, todavía mantiene la posibilidad de seguir creciendo y tiene su punto estético, siempre hablando de un formato físico. Algo puede considerarse underground sencillamente cuando sucede.

¿Por qué elegiste el nombre de la banda, Demon Head? ¿Tal vez quisiste subrayar vuestra conexión diabólica?

Supongo que elegimos el nombre después de escribir una canción (Marcus), llamada «Demon Head», o tal vez titulamos primero la canción y después al grupo… No lo recuerdo. Estábamos contemplando otros nombres similares, como Demon Lord 2000 o L.S.Demon Head. Y elegimos el de Demon Head, que es más seguro y recordable.

Me encanta la voz de Ferreira Larsen. En cierto modo, puede recordarme a cantantes como Billy Idol, Jyrki 69 o Glenn Danzig. ¿Estás de acuerdo?

Sé que Marcus siempre sacude la cabeza en señal de desaprobación cuando aparece la referencia de Danzig. Tengo un vago recuerdo en el que Mikkel me dijo, incluso antes de que tuviéramos nuestro primer ensayo, que Marcus estaba cantando algunas canciones de Danzig en su casa, para encontrar una voz y practicar su voz. Sucedió antes de que todos nos conociéramos. Así que tal vez Marcus construyó los fundamentos de su voz en esas sesiones de canto y ya no puede despegarse de esa influencia ahora, no lo sé.

Personalmente, me resulta difícil, casi imposible, no despegarme de la música que escuché cuando era adolescente pues es cuando comencé a dar forma a mi identidad en la música, y, por lo tanto, considero que todavía quedan improntas de algunas de esas influencias en la música que escribo hoy. Sé que Marcus se ha inspirado en Jim Morrison, y que Danzig también se inspiró en Jim Morrison. ¿No suele suceder esto a menudo? Estas referencias, a través de la inspiración mutua, se remontan más allá de lo obvio. Creo que la referencia de Billy Idol es más que bienvenida.

Actualmente estoy trabajando en un reportaje especial sobre canciones perfectas y necesito preguntarte sobre algunas de ellas. ¿Podrías decirme tu opinión sobre estos temas?

“One Road to Asa Bay” (Bathory): Conocí a Bathory un poco demasiado tarde en mi vida para apreciar realmente su música. «One Road to Asa Bay» es una canción bastante épica, tanto en términos de duración como en las emociones que comunica. Sin embargo, sigue teniendo todo su encanto, que para mí es lo que la hace interesante. Me encanta el coro, los cascabeles, la guitarra acústica y la entrega espasmódica de las voces. Por otro lado, no me gusta mucho la onda de metal vikingo.

“Final Countdown” (Europe): Es muy pegadiza. El sonido metálico del sintetizador al inicio del tema de alguna manera le da a la canción demasiada connotación yuppie. Si se hubiera tocado con una guitarra habría sido más fácil y aceptable para mis oídos. También está la onda de la canción. No le quito valor, pero… esas emociones que llegan a nuestros corazones con tanta facilidad comunican de alguna manera un sentimiento de esperanza, de pararse en un camino, en la vida, que requiere que se tome la decisión correcta, la creencia de que las cosas pueden cambiar, etc. Esas emociones, en las que realmente ni confío ni creo, y tampoco sé si el arte y la música deberían esforzarse por comunicar. Sé que las personas tienen diferentes niveles y posibilidades de interpretación, y que la mayoría de la humanidad podría valorar el efecto de «The Final Countdown», pero creo que es una pena que la mayoría de la música les pida tan poco a sus oyentes. Con demasiada frecuencia se oprimen las emociones y los valores del oyente en lugar de abrir un espacio que pueda funcionar como una alternativa a la escala de emociones claustrofóbicas que nos ha tocado sentir, viviendo, y apenas respirando, en un sistema que no permite la curiosidad, la apertura y el cambio.

Puede sonar un poco arrogante, pero me refiero a la sutileza de lo que supuso la aparición de «The Final Countdown». (En Dinamarca) fue el tema de un anuncio de televisión cuando yo era un niño. Voy a poner la situación en su contexto: Un paleto danés con dientes torcidos y pelo sin peinar, conduciendo un ciclomotor con una caja de cerveza, diciendo cosas irreflexivas en un grotesco dialecto danés palurdo y mostrando algún tipo de problema. Y todo se resuelve con el hecho de que tiene un teléfono móvil, abre una cerveza para celebrarlo, y se da inicio al tema. Comienza con: «It’s the final countdown!» Era un sencillo anuncio para una compañía telefónica.

“Fairytale of New York” (The Pogues): Me gustan mucho The Pogues. En realidad, me acabo de mudar a Irlanda. No por The Pogues, pero he disfrutado caminando por las colinas brumosas escuchando los primeros dos álbumes de The Pogues. La música tradicional irlandesa tiene un estatus tan hermoso en las comunidades locales de Irlanda… siempre siendo tocada y compartida en los pubs.

Tengo el recuerdo de durante una noche de Navidad, que pasé hace ya algunos años, en una pequeña comunidad agrícola en Inglaterra. La fiesta se llevó a cabo en el salón de dicha comunidad y en algún momento algunos se levantaron para cantar «Fairytale of New York» (ya que es una canción navideña muy famosa aquí).

Antes ya hubo entretenimiento musical de antemano (del cual yo era una parte esencial, tocando la guitarra rítmica en la ocasional banda de versiones «Larry & The Fucking Feminists»), así que teníamos un backline completo en un pequeño escenario situado en una esquina. Y uno de los colegas empezó a tocar los acordes de guitarra, y me llamó por mi nombre a través de la P.A., preguntándome si me apetecía; pero casi obligándome a acompañar la canción con la batería. Entonces no conocía ese tema, pero se me daba bien tocar la batería, así que fui hacia allí y comencé a tocar. Todo se desarrolló sin problemas hasta que la introducción terminó y el infierno se desató con ese ritmo del verso pasando el tempo a 6/4. Mi compañero siguió intensificando su ya insistente rasgueo de guitarra y cantó mucho más fuerte.

Dime cuál es la canción, entre toda vuestra discografía, de la que la banda está más orgullosa y el porqué.

Se me hace muy difícil decírtelo. Trabajamos en Hellfire Ocean Void tan intensivamente que casi me parece todo una única canción. Escribimos todo el álbum en el estudio dándole una unidad al conjunto y en la que cada canción se complementaba.

¿Cuáles son tus próximos planes para este verano? ¿Vas a tocar en algunos festivales de metal? ¿Estás planeando un nuevo álbum?

Tocaremos algún festival este verano, sí, y haremos una gira con Coven por toda Europa Central. Las canciones son escritas constantemente para futuros lanzamientos. Estamos deseando estar ya en la carretera. El ritmo de los días de gira es lo más nutritivo para nuestra inspiración, hablando en términos de escribir música para guitarra.

Muchas gracias, Birk. Nos vemos en julio en Barcelona.

Well, first of all, I have to confess that your last album is excellent. I reviewed it some months ago. There are only 8 songs, but enough to see that Demon Head are a really interesting band. You have got a fresh style that combines doom metal and post punk, but do you prefer to talk about Scandinavian Diabolic Rock. Isn’t it?

Hi, Jordi. Thanks a lot for taking your time. As we suffer under the demand of bands labelling their music with a few captivating words, in order to be fitted into the filters that the general public seem to only understand music through, we decided to present our music as Diabolic Rock. Personally I don’t pay much attention to genre. Music is music. Tones, harmonies, timbre, rhythm, tempo, dynamics, words… We went through some years of frowning at the people and journalists who thought we played stoner, retro rock, doom or what ever description they could find on the internet. So with this new album we’ve tried to distance our band from those terms via a very explicit presentation of our aesthetics. So we gave you burning shapes of iron, winged eggs, splinters from spine of Jesus Christ and diabolic rock.

Why only eight songs?

Our process of composing music mostly manifest in songs lasting around a handful of minutes. So we couldn’t really fit so much more into the playing time of two 12” vinyl sides running at 33 rpm. Initially we only recorded 6 songs, the electrified ones of Hellfire Ocean Void. But added «Rumours» and «Labyrinth» as another dimension to the whole. Both songs were composed and recorded live onto a stereo tape recorder during a weekend in a country house by the Northern seaside of the islands on which Copenhagen is build.

I have read that in your first steps (in 2012) your music style was closer to doom metal, but today I can appreciate some influences form Billy Idol to To/Die/For. How you can explain your musical evolution until today?

Well, we started of not really knowing much of what we wanted. Except that we wanted to play in a honest rock band together. This was the first band in which I played the guitar, and as well the first in which Marcus sang, so maybe the doom metal term comes out of the simplicity of the riff based song structure that we with our very limited musical skills barely managed to play convincingly at the time? I don’t know, I guess we did  hear a lot of Black Sabbath back then. But just as much Neil Young and Thin Lizzy. When we started to write our second album «Thunder on the Fields» we had played a lot of shows throughout the continent and had gotten to know each other as the close friend we’ve become, and I think we felt safer in each others company and thus allowed our selves to leave more of our personalities and the emotions and lusts and ambitions that leads us towards a musical expression within which each of us feels both grounded and levitated. Hellfire Ocean Void is very much a continuation of both this personal and the collective development. We listen to all sorts of different music, and all of it is consciously or unconsciously left in the music. Personally, of the top of my head, I couldn’t name a Billy Idol song nor a To/Die/For song, but I wouldn’t be too surprised if any of the others would have found inspiration there.

We need to know what do you do on stage. Do you have some shock rock tricks or do you prefer to focus in your music performance? How is a Demon Head show?

I prefer to focus on the performance of the music. What else is there to do, really? Even though it maybe doesn’t necessarily sound like it from the immediate outside, the inner structure of our songs are fairly complicated and doesn’t repeat themselves much. Subtle and minor changes are constant. So we need to focus when performing. That being said, we play in a very energetic manner; drums are beaten, strings are wrought, voices are broken and bodily movements are expressing what the moment and the music fails to express. When we go on tour with Coven we’ll be heading out for a months adventure, which is a long time to be performing the same music every night, but I know for a fact that with each concert played, our focus will move from our heads and our hands into our hearts and the collective as a whole.

I suppose that it is going to be a dream to tour with Coven. I never thought about the possibility to attend in 2019 to a Coven’s show, so it is perfect. I suppose that you love Jinx and Coven…

It will be a wicked adventure. We played with them in Copenhagen a year ago, and their performance was very fresh and in the present, not as dinosaur-like as a certain Deep Purple concert attended to some years previous.

Looking at your artwork and lyrics it seems that the band, as Coven, have some connections with occultism and a diabolical side. Is Demon Head a satanical-paganist band?

When you use the term paganism I must say that my presence in the world is based upon the present situation, my immediate surroundings, the terms and the conditions of a complicated world and I don’t think the ‘romantic’ and nostalgic ideas of paganism has anything to compliment the time we live in. And I find it unnecessary and a little bit ridiculous to stylize and to some extend capitalize occultism, paganism and satanism or whatever into black candles and animal bones. I guess I’m more interested in keeping myself open towards what ever wants to inhabit my body and soul and gain from what ever my nerves experience. Be it my love of birdlife, my hatred of capitalism, my disbelief in humankind, the self esteeming sensation of looking cool or my fascination of the music of Deathspell Omega.  It is not to say that who ever wants to experiment with stereotypical occultist ways doesn’t gain some experience from it, people need to do what they need to do.

One thing that I love is to see in your website that we can buy your last album in cassette tape. It seems that vinyl strikes back but… Do you think is a good idea to sell cassette tapes in 2019?

Cassette tapes have stayed and important media in the underground; almost as cheap as a CD, or Soundcloud or Bandcamp but with its unpracticality it’s distancing it self from the commercial marked and its all consuming power trip as well as – in oppose to a digital release – still containing the possibility of more material and aesthetic focus, being the physical release it is. The underground is where it happens.

Why did you choose the name of the band, Demon Head? Maybe you wanted to underline your evil connection?

I guess we chose the name after the song we (Marcus) wrote, called «Demon Head» or maybe we named the song after the band… I don’t remember. We were contemplating on other similar names, like Demon Lord 2000 or L.S.Demon Head. And we chose the safer and more memorable Demon Head.

I love Ferreira Larsen’s voice. In some ways he can remember me singers like Billy Idol, Jyrki 69 or Glenn Danzig. Do you agree?

I know Marcus always shakes his head in disapproval when the Danzig reference comes up. I have a faint memory of Mikkel telling me even before we had our first rehearsal, that Marcus was singing along to some Danzig tunes at home, in order to find a voice and practice singing before we all met. So maybe he build the fundamentality of his voice on those sing-a-long sessions and can’t get away from it now, I don’t know. Personally I find it difficult, almost impossible, not to resonate with the tonality of the music I heard when I was in my teens and started shaping my identity in music, and therefore still end up leaving some of that stuff in the music I write today. I know Marcus have been inspired by Jim Morrison, and that Danzig too was inspired by Jim Morrison. Isn’t that how it goes often? That references, via mutual inspiration, goes back further than just the obvious. I think the Billy Idol reference is more welcome.

In these days I am working in a special report about perfect songs and I need to ask you about some (perfect) songs. Could you tell me your opinion about the next ones?

“One Road to Asa Bay” (Bathory): I got to know Bathory a bit too late in life, to really appreciate their music. “One Road to Asa Bay” is quite an epic song. Both in terms of length and the emotions it communicates. It is still charming though, which for me is what makes it interesting. I love the choir, the jingle bells, the acoustic guitar and the spasmic delivery of the vocals. Otherwise I’m not much into the whole viking metal vibe.

“The Final Countdown” (Europe): It is very catchy. The brassy sound of the synthesizer theme somehow, gives the song too much of a yuppie connotation. If it was played as a guitar lead, it would have passed my judgmental ears easier. Also the vibe… I don’t quite value. These emotions that reaches our hearts so easily somehow communicates a feeling of hope, of standing by a cross road in life that requires you taking the right decision, the believe that things can change, etc. These emotions, in all of which, I don’t really trust nor believe and that I also don’t know if art and music should strive to communicate. I know people have different levels and possibilities of interpretation, and that most of humanking might value the effect of “The Final Countdown”, but I think it is a shame that most music asks so little of their listeners, and all too often oppresses emotions and values upon the listener instead  of opening a space that can work as an alternative to the claustrophobic scale of emotions we are left to feel, living and barely breathing in a system that doesn’t allow curiosity, openness and change. It might sound slightly arrogant, but I’m all about subtlety when I comes to.

“Fairytale of New York” (The Pogues): I like The Pogues a lot. Actually, I’ve just moved to Ireland. Not because of The Pogues, but I’ve enjoyed walking around the misty hills listening to the first two Pogues albums. Irish traditional music has such a beautiful position in the local communities in Ireland, being played and shared in the pubs.

During one Christmas Evening that I spend some years ago with a small farming community in England. The party was taking place in the community hall and at some point some fellow got up to sing “Fairytale of New York” (since it is a very famous Christmas song over here). There had been some musical entertainment beforehand (of which I was an essential part, playing the rhythm guitar in the occasional cover band “Larry & The Fucking Feminists”) so there was a full backline on a small stage in the corner. And this fellow started playing the chords on the guitar, and he called my name through the PA, asking, but almost forcing me to back him up on the drums. I didn’t know the song at that time, but I was good at playing drums, so I got up and started playing and it all went smoothly until the intro was over and hell broke loose with the rhythm changing to 6/4, the fellow intensifying his already insistent guitar strumming and loud singing.

Tell which is the song, among your discography, that the band is prouder of and why?

It is difficult. We worked on Hellfire Ocean Void so intensively that it almost feels like one song to me. To some extent we wrote the album in the studio, shaping them together as a whole, where each song complimented each other.

Which are your upcoming plans for this summer. Are you going to play in some metal festivals? Are you planning a new album?

We’ll play some festival this summer, yes. And we’ll tour with Coven throughout Central Europe. Songs are constantly being written for future releases. We’re looking forward to being on the road. The rhythm of the days on tour is the most nourishing for the inspiration in terms of writing guitar music.

Thank a lot, Birk. See you in Barcelona in July.