Entrevista a Jan Hoffman, bajista de Long Distance Calling: ‘Tocar en el show en streaming de Wacken hizo que nos viera mucha más gente que si hubiésemos tocado en el festival’

Somos muy fans en Science of Noise de los germanos Long Distance Calling y su post rock instrumental de gran calado. Tienen nuevo disco llamado Erased en el que ahondan en uno de los grandes problemas que tiene la decadente civilización: la extinción de las especies animales que conviven con nosotros. Cada tema nos habla de un animal en concreto y su delicada situación actual. Todo muy original.

Nos reunimos con el bajista y compositor Jan Hoffman en una entrevista que va de menos a más y en la que, como veréis, acabamos tratando temas que van más allá de lo musical: Lewandoski. Jan sabe bien del potencial del grupo y cada nuevo contrato discográfico conseguido les hace crecer mucho más. Ya entran en listas de ventas y sus videoclips están realmente trabajados al milímetro. Si no les habéis escuchado todavía, os los recomendamos de corazón.

Hola, Jan, antes que nada, gracias por tu tiempo y felicidades por vuestro nuevo álbum Erased. ¿Va todo bien, estás en Alemania? Aquí estamos casi a 40 grados…

Sí, aquí la temperatura también es muy cálida y estamos haciendo muchas entrevistas, pero todo está muy bien. El verano nos pone de buen humor.

Bueno, parece que esta vez Long Distance Calling se centra esta vez en las especies en peligro de extinción y cada canción trata sobre alguno de estos animales amenazados. Es algo realmente original y creo que funciona muy bien. Disfruté especialmente de “Kamilah” y de su videoclip. ¿Crees que este video y canción puede resumir todos los conceptos del álbum?

Sí, es un buen ejemplo de lo que hay en el disco, aunque cada canción suena muy diferente respecto a la otra porque los animales son muy diferentes. Pasamos de los monos perezosos a la abeja, por lo que suena completamente diferente a lo que es “Kamilah”, que trata sobre los gorilas, o “Baldes” que va sobre los rinocerontes. Es un disco muy variado, pero “Khamila” es una perfecta entrada para el disco ya que, un poco, habla de todo y resume lo que es el grupo aquí, combinando partes muy suaves con algunas de muy contundentes y otras de más progresivas… por lo que hay mucho material variopinto en una sola canción.

La última canción “Erased” tiene un video realmente duro que parece mostrarnos que la humanidad no tiene futuro y que no hay esperanza para nosotros. ¿Cómo ves nuestro mundo dentro de 10 años?

Se me hace muy difícil imaginármelo, pero no diría que nos queda esperanza puesto que al final del vídeo se va para atrás y te dice que hay oportunidad todavía de cambiar las cosas, pero que ese cambio implica actuar ya. No podemos seguir a la expectativa y hacer como hasta ahora. La canción “Erased” va sobre el ser humano, pues somos una de las especies que pueden morir si el planeta colapsa, y nosotros somos la única especie responsable de lo que ocurra, por lo que podemos cambiar las cosas. Así que todavía queda esperanza. Como decimos en Alemania… “quedan un par de minutos para las 12”, pero sí, digamos que la situación es bastante desesperada…

Vuestra música es una mezcla de post rock y rock progresivo, pero añado que también me parece una música muy descriptiva. Es decir… Vuestra música puede transmitir sensaciones, sentimientos… así que quiero preguntarte que si cuando escribes música estáis pensando en las imágenes.

Sí, lo hacemos. Las emociones es lo más importante para nosotros cuando componemos música y eso se consigue cuando la canción está bien tocada o está bien escrita. Cuando la canción no te transmite nada para mí no vale, así que las emociones son lo más importante para Long Distance Calling. Para este disco era especialmente importante transmitirlas, hay una carga emocional muy grande en todas las composiciones. Es todo muy agresivo y triste, pero a la vez es bonito a la misma vez.

En la canción “Sloth” hay un saxofón, y encaja perfectamente en la canción. ¿La banda está siempre abierta a mejorar su música con otro tipo de instrumentos?

Sí, nos encanta experimentar con cosas nuevas. Cuando empezamos a componer esta canción estaba muy claro que había que meter un saxofón, que era el instrumento que pedía la composición. Así que le pedimos a Jorgen Munkeby de Shining (los noruegos, no la banda de Niklas Kvaforth) si quería tocar en la canción y nos dijo que sí.

Ahora hay mucha gente que nos dice que suena un poco a Pink Floyd, lo cual es un halago para nosotros, pues todos somos muy fans de los Floyd. El saxo da mucho buen rollo y es un instrumento muy sexy. También lo podrás escuchar en la canción “Breathe”. Creemos que todo suena muy natural, lo cual es muy importante para nosotros. Buscábamos un sonido muy orgánico en este disco.

También hay temas que llevan chelos…

Sí, hay instrumentos de cuerda y de viento y quiero subrayar que todo está tocado por personas, que todo es real, no hay nada hecho por ordenador, todo esta tocado por gente de carne y hueso. Era algo muy importante que fuera así para el disco.

¿Cuál es el significado de la portada con una pirámide y huesos en una mano?

Hay aquí una historia de fondo… Hay una caja negra construida en Tasmania y en ella hay todos los datos posibles sobre la especie humana. Informaciones sobre el clima, las redes sociales… Todo queda almacenado en esa caja negra y la idea es que, si nosotros metemos la pata y lo jodemos todo, que otras especies en un futuro puedan encontrar toda esa información y que puedan ver el por qué la cagamos y no repitan el miso error. El cubo en la portada simboliza esa caja negra y eso nos da el título de la intro del disco: “Death Box”.

Esta vez, en Eraser, no hay invitados a las voces. ¿Por qué no esta vez?

Exacto… quisimos hacerlo todo instrumental esta vez porque en el anterior disco había muchas partes cantadas-narradas para contar una historia y hacer esa dualidad entre el hombre y la máquina. Esta vez con los animales preferíamos que fuera todo íntegramente instrumental, que queríamos la voz de los animales… Y en cada canción hay algo escondido, hay sonidos de los propios animales de los que hablamos. A veces está tapado por un filtro. Pero sí, cada canción contiene el sonido de cada animal.

Si echamos un vistazo al pasado, puedo ver nombres como Jonas Renske de Katatonia, Peter Dolving de The Haunted o John Bush, que han cantado algunas de vuestras canciones… ¿Qué otro cantante os gustaría tener en algunas de vuestras futuras canciones?

Aquí cada miembro de la banda te diría vocalistas muy diferentes porque cada uno tiene gustos muy diferentes. Yo te diría que Maynard James Keenan de Tool y A Perfect Circle, pero es que hay muchos. Te diría también que me encantaría tener a Greg Puciato ex de The Dillinger Escape Plan. Es un gran vocalista, me parece una gran opción, y luego… una voz femenina, puesto que nunca hemos tenido ninguna. Veremos qué nos depara el futuro. No estamos cerrados para nada a volver a tener voces invitadas, pero por el momento encantados de que nuestro nuevo disco sea enteramente instrumental.

Long Distance Calling es una banda instrumental, pero, por otro lado, he entrevistado a bastantes bandas instrumentales y guitarristas, y la mayoría de ellos escribieron letras para sus canciones instrumentales. ¿Es este vuestro caso? ¿Escribís letras en las canciones?

No, nunca lo hacemos. Nos concentramos especialmente en la música, las atmósferas, en los estados anímicos y especialmente en las emociones. Luego queremos que sean los instrumentos los que tomen la voz. Así que nunca hay letras en los temas instrumentales.

Ahora quiero preguntarte sobre el nombre de la banda porque hay un episodio espectacular y mítico en la serie The Twilight Zone (La dimensión desconocida) llamado “Llamada de larga distancia” (Long Distance Call). ¿Es este el origen del nombre de la banda?

Desconocía que había un episodio llamado así, así que no. El origen del nombre viene porque estábamos en un festival alemán llamado Rock Am Ring, que es el más grande de rock y metal que hay allí, y estábamos haciendo tiempo para que tocasen Tool. Y en la pantalla de vídeo de al lado apareció un video de una banda francesa llamada Phoenix y la canción se llamaba “Long Distance Call”.

Era un tiempo en el que andábamos buscando nombre para el grupo, y de repente, nos miramos todos, y nos dimos cuenta de que ese era el nombre perfecto para el grupo. Después cambiamos de Call a Calling, que quedaba a como algo más activo, algo que sucede actualmente en todas partes del mundo y creo que casa perfectamente bien con nuestra música.

Me parece un buen nombre y es muy original. La primera canción que escuché de Long Distance Calling fue “Lines” del disco Trips. ¿Quién es el cantante de este tema?

La canta Petter Carlsen, un amigo nuestro de Noruega. Ya había cantado algo con Vincent Cavanagh de Anathema en un tema del disco anterior The Flood Inside, concretamente en la canción “Wake Up Change”. Ambos cantaron en esa canción y para el Trips se lo pedimos a Petter.

¿Cuál es tu opinión sobre “Lines”? te lo digo porqué quizás no es la típica canción de Long Distance Calling…

Sí, es muy diferente a lo que solemos hacer. Es de los temas más populares del grupo en Spotify, pero para nosotros, como grupo, es algo que se sale mucho de lo que solemos hacer. Te diría que es una gran canción pero que quizá queda muy lejos de nuestra propuesta musical. Pero viéndolo en perspectiva creo que estuvo genial hacerla ya que, como te he dicho antes, nos encanta experimentar e ir más allá de las fronteras de nuestro sonido.

Nos sentimos muy bien cuando la hicimos… Ese disco es muy bueno, toma riesgos y se aleja un poco de lo típico que hacemos. Las críticas de la prensa fueron muy buenas, pero también hubo muchos de nuestros seguidores a los que no les gustó nada ya que había muchos temas cantados, así que volvimos a ser totalmente instrumentales en el posterior Boundless, y ya te digo que para nosotros fue mucho más natural lo de volver a ser una banda totalmente instrumental, que es lo que realmente somos…

Te confieso que cuando tengo que mostrarles a mis amigos Long Distance Calling siempre empiezo con esta canción…

Sí… es muy poppie e intrigante. Entra muy fácil y tiene una gran melodía en el estribillo. Es una gran canción.

La banda comenzó a trabajar con Cargo Music Label. Luego trabajáis con SPV, InsideOut de Sony y ahora estás con earMUSIC. Parece que cada paso es mejor que el otro. ¿Es earMUSIC el mejor sello para trabajar?

Actualmente estamos muy a gusto con ellos. Hemos empezado por primera vez con earMUSIC y hay un montón de entrevistas programadas. Son muy profesionales y la verdad es que apuestan por el grupo. Cuando terminamos el contrato con nuestra anterior discográfica podíamos renovar con ellos y continuar con InsideOut, pero sentimos que era un momento de cambio y con earMUSIC teníamos mucho feeling.

Hablamos de cómo éramos como banda, nos entendían, tenían perspectivas de futuro y querían una proyección internacional mayor de la que estábamos. Creo que tienen en su escudería a unas bandas que encajan bien con nosotros. Hay fans allí muy leales y eso es muy bueno. Creemos que somos un poco especiales como grupo, así que era perfecto estar con ellos.

Eché un vistazo a vuestros setlists y veo que «Black Paper Planes» es la canción más tocada. Entonces, ¿es esta canción algo especial para la banda?

Sí, pienso que es una especie de himno para nosotros. Juraría que desde que la sacamos la hemos tocado en todos nuestros conciertos. Es nuestro hit, la que tiene más reproducciones en Spotify. Es el himno y es curioso ya que fue un tema muy complicado de componer. Nos tomó mucho tiempo y nos bloqueamos a media canción. Creímos que no íbamos a poder terminarla, pero lo hicimos. Sucedió una tarde después de pelearla durante muchas semanas. Pasó a ser una de las mejores canciones que tenemos…

Es curioso porque a veces algunas de tus mejores canciones son las que ensayas un poco y salen rápido, que en cuatro horitas completas un tema. Esta no fue el caso… Nos llevó mucho tiempo y mira, es una de las más fáciles de tocar pues el riff de la misma es muy sencillo. Sí, es una de nuestras composiciones más icónicas.

Long Distance Calling tiene muchas similitudes con una banda española llamada Toundra y ambas bandas estabais en el sello InsideOut. ¿Habéis tocado alguna vez juntos?

Toundra… les conozco como fan pero no hemos llegado a tocar nunca juntos. Son muy buenos.

Sé que participaste en el concierto de transmisión de Wacken Worldwide. Cómo fue la experiencia porque supongo que fue uno de los festivales online más grandes de la historia.

La verdad es que fue muy raro porque nosotros queríamos tocar en un festival real, pero no fue posible. Entonces hubo la propuesta de participar en el festival en streaming. Les dijimos que sí, pero que ya que lo hacíamos lo haríamos con algo especial y diferente. Conseguimos un mayor presupuesto e hicimos un show único y diferente.

Nos fuimos a grabarlo en un estudio de televisión en Berlín y cada canción tenía su efecto visual. Queríamos que hubiese algo más, que no sólo fuera el grupo tocando y ya. Nada de vernos tocar en la sala de ensayo o en un club vacío. Eso sería muy extraño para nosotros. La opción de ir a un plató de televisión y tirar de conceptos más visuales creo que funcionó perfectamente. Las opiniones respecto a ese concierto fueron muy buenas y fue algo diferente a lo que solemos hacer.

Te diría que lo más divertido de todo, es que nos vio mucha más gente en este formato que si hubiésemos tocado en el festival de Wacken. Hubo mucha exposición y vendimos muchas camisetas en nuestra web después del concierto. Llegamos a mucha gente que nos conocía. Tocar en Wacken es siempre algo muy grande y ya lo hemos hecho un par de veces. Es uno de los festivales de verano más importantes y puede que a nivel de metal sea el más importante de todos. Así que esperamos poder volver a tocar allí pronto.

Para mí es muy especial… He asistido allí 16 veces.

¡16! Y siempre llueve, ¿eh? (risas)

Sí… Dos de las tres últimas ediciones que fui fueron horribles… ¿Cuál es el primer disco que compraste con tu propio dinero?

El Extreme Aggression de Kreator. Tendría 14 años o así…

Estoy escribiendo sobre los 25 años del álbum Sehnsucht de Rammstein y la canción «Du Hast». Por favor, ¿podrías decirme tu opinión sobre el álbum y la canción?

Si te soy sincero… nunca he sido un gran fan de Rammstein, pero te diré que me encanta todo lo visual que ofrecen y el concepto del grupo. Hacen lo que les place y les importa un mierda lo que se opine de ellos. Pero en lo musical no son para mí un grupo que me interese demasiado ya que tienen muchas canciones que suenan muy iguales. En lo visual y en sonido son únicos así que son una banda muy especial, y es genial que un grupo alemán tan famoso en todo el mundo.

Sobre “Du Hast” te diré que es una canción mucho más popular fuera de Alemania que dentro ya que suena muy alemana, pero a pesar de ello, la gente puede recordar la letra, aunque no conozca el idioma. Y también puede llegar a cantarla en directo. Posiblemente Rammstein sean lo más grande que ha surgido de Alemania después de Scorpions.

Ya que me hablas de los conceptos visuales de directo… déjame preguntarte una última. Si tuvieras un presupuesto enorme para el show de directo, ¿qué truco te gustaría hacer?

Somos muy fans de esos grandes shows y es una muy buena pregunta… Creo que un poco seguiríamos ampliando lo de los videos de las canciones, pues tenemos uno para cada canción. Recuerdo que vi en el último concierto de Tool que llevaban una especie de cortina semi-transparente en la que proyectaban sus videos. Podías verles tocar como si fueran sombras, lo cual era muy chocante. Un montaje al nivel de Iron Maiden o de Metallica.

Si el dinero no fuera un problema a nosotros nos encantaría evolucionar esa idea y hacer un show de estadio de rock progresivo, con un gran escenario y con material de video, con Dolby Surround y todo lo que fuera posible. Me gusta la idea de que si vas a un concierto sea como una especie de viaje… Que no sea un concierto y nada más al estilo punk.

También te digo que a mí siempre me han encantado los directos de Pink Floyd como los del Pulse, eso de conseguir esa atmósfera especial. También el poder tocar en emplazamientos no habituales. En nuestro pasado tour tocamos en iglesias y teatros y siempre teníamos que pensar en lo que hicieron Pink Floyd en el Live at Pompeii. Ese directo es genial, tocando al aire libre delante de un volcán. Todas esas ideas son geniales y muy especiales y en el fondo es lo que la gente termina recordando, mucho más de lo que suele ser un concierto normal. Los conciertos especiales serán algo muy importante en el futuro.

Pues nada Jan, gracias por la entrevista…

¿Jordi… Puedo hacerte una pregunta yo a ti? ¿Qué opinas de Lewandoski? (risas)

Ostras… Pues la verdad es que tengo miedo a que sea demasiado viejo… o de si encajará. Hay ilusión, y la ilusión es lo primero que necesitamos. Barcelona la necesita y el equipo creado es muy ilusionante, pero creo sinceramente que la pieza clave va a ser Lewandoski.

Es un jugador fantástico, la verdad… Pero lo que realmente importa es si él va a encajar dentro del juego del Barça. Nunca sabes si habrá química o no… Yo cruzo los dedos ya que de los equipos españoles, el Barcelona es mi favorito. Mi hijo de 14 años es muy fan del Real Madrid, pero yo prefiero tu equipo. Y no sé realmente el por qué. Desde que era un niño que siempre he pensado que el Barcelona es más cool y que siempre ha intentado jugar al fútbol de una forma diferente. Eso me encantó, o sea que ya veremos… Crucemos los dedos.

¡A ver si ganamos algo este año!