Y seguimos, aunque vamos llegando al final de estas entregas de discos olvidados. En todas ellas encontramos joyas que, por alguna razón (principalmente relacionada con la falta de tiempo), no pudimos reseñar en su momento. Busca y rebusca, que quizá se te haya pasado algo interesante.
Artista: Stormhaven
Álbum: Liquid Imagery
Discográfica: Autoeditado
Fecha de publicación: 30 de enero de 2019
Descubrí a los franceses Stormhaven a través de una amiga común, que después de conocer mis gustos musicales vio claro que me haría un favor si me apuntaba en la dirección de su primer disco, el brillante Exodus. Y no se equivocaba, porque gracias a él los de Toulouse me dejaron flipando con su capacidad técnica, la riqueza de su sonido y la decisión y confianza que demostraban en sus canciones a pesar de tratarse, aún, de una banda muy joven. Al cabo de poco tiempo tuve la oportunidad de verlos en Barcelona junto a Moonloop y Face the Maybe, en lo que resultó ser un concierto sorprendentemente exitoso que gozó de un ambiente notable y que me reafirmó sobre la calidad y el potencial de estos músicos, que ahora, además de técnicamente brillantes, también pasaron a ser chicos bien simpáticos.
Ya se dice siempre que llegar es relativamente fácil, pero que lo que es complicado de verdad es mantenerse ahí arriba. Al principio cuentas con el factor sorpresa, con la ventaja de no tener nada con lo que compararte, con la comprensión y la vista gorda ante tus evidentes influencias y con unos buenos ojos que permitirán tus imperfecciones sin que eso te cueste (aún) tu carrera y tu reputación. Pero todo esto ya no aplica en un segundo disco. Ahí se supone que tienes que sonar mucho mejor, que tus canciones deben ser más evolucionadas y personales y que te has sacudido de tus imperfecciones e influencias. De lo contrario, serás etiquetado como una vil copia de X o de Y o de una banda que no ha sabido estar a la altura de su primer disco, enviándote inmediatamente al pozo de la insustancialidad.
Pero en el caso que nos ocupa, lo cierto es que si su primer disco sonaba bien y rezumaba talento y exuberancia técnica y creativa por los cuatro costados, éste ya es la leche. Es cierto que alguien podrá discutir que la influencia de los Opeth dorados sigue más que presente, y no seré yo (ni ellos mismos, probablemente) quien niegue tal evidencia, pero eso no debe servir como obstáculo para apreciar la calidad y la inspiración de lo que encontramos aquí dentro, unas canciones que, lejos de quedarse a ser un nuevo Blackwater Park ni mucho menos, coquetean con la épica más dramática y con el black metal más agresivo sin ningún tipo de pudor. Temas como la inicial «The Storm», «Abyss» o el cierre épico y majestuoso que supone «Echoes» son atractivo suficiente para que estos Stormhaven merezcan un orejazo. Y quizás entonces serás uno de los pocos privilegiados que tiene la suerte de conocerlos.
Nota: 9/10
por Albert Vila
Artista: Time Symmetry
Álbum: Ghosts
Discográfica: Autoeditado
Fecha de publicación: 22 de febrero de 2019
«Vivos, sentir este momento y escribir nuestro destino». Toda una declaración de intenciones la de los madrileños Time Symmetry, banda de metal progresivo fundada hace ahora 10 años que nos trae este Ghosts (2019), su cuarta incursión discográfica (la segunda en formato de Ep) tras su trabajo homónimo de 2003, Fate in Gray (2006) y Tetraktys (2013).
La verdad es que cuando les escucha, no puede evitar pensar en los barceloneses Born in Exile, cuyas propuestas se asemejan bastante, lo cual no deja de ser algo realmente glorioso. Si hay algo que destaca en Ghosts es la voz de su vocalista, Elena Aznar, sobre todo en cortes como la inicial «Winding Road» o «Hunt or Be Hunted». David Rubio (voz, guitarra), Jorge Velasco (guitarra), Carlos Hernández (bajo) y Ando Martínez (batería) completan la formación de la banda.
Si te gusta lo prog, estás de enhorabuena, pues la propuesta de los madrileños te entrará la mar de bien. A ellos les gusta complicar las cosas, pero salen airosos en todos y cada uno de los 11 cortes de este trabajo. La nueva voz femenina (Elena lleva apenas un año en la banda) se amolda a la perfección al tono medio rasgado de David, y los mil detalles que adornan sus composiciones, lejos de distraer al oyente, hacen que te sumerjas y te dejes llevar aún más por una propuesta que ya hemos podido disfrutar en ciudades como Madrid, Barcelona o Bilbao.
Si el año 2019 ha significado su consagración como banda, no quiero ni imaginar lo que les depara el nuevo año que está por llegar. Nosotros, desde Science of Noise, no les perderemos la pista.
Por último, me gustaría hacer una mención especial al artwork y a esa portada -de clara inspiración Blade Runner-, obra de la artista madrileña Ed Warner. Guinda perfecta para un álbum, simétricamente, cuasi perfecto.
Nota: 8,75/10
por Rubén de Haro
Artista: Omophagia
Álbum: 646965
Discográfica: Unique Leader Records
Fecha de publicación: 6 de septiembre de 2019
El año pasado pude ver a Omophagia en directo en la gira junto a Immolation y me sorprendieron gratamente. Su death metal de corte técnico me parece bastante original y aunque no inventan nada nuevo saben adquirir ciertos elementos de otras formaciones y llevarlos a su terreno.
Formados en 2006 en Suiza este es su tercer disco y han subido bastante el nivel en comparación a sus anteriores asaltos. En su música podemos encontrar influencias de grupos como Deeds of Flesh, Origin, Dying Fetus y muchos más pero como he dicho con su propia personalidad. Sus guitarristas son muy técnicos pero sin abusar demasiado, cosa que se agradece bastante en estos tiempos en los que hay que demostrar continuamente lo rápido que toca uno.
De las 10 canciones que conforman este 646965 cabe destacar la que da título con un Beni a las voces simplemente magistral. Aunque no hay ninguna canción de relleno querría destacar entre ellas «Radicalized», «First Light» y la última «Absolute Zero» con su intrincada estructura y su carácter épico.
Dales una oportunidad si eres fan de los grupos nombrados o si tienes ganas de pasar un buen rato escuchando death metal bien hecho.
Nota: 8,75/10
por Robert Garcia
Artista: The Toy Dolls
Álbum: Episode XIII
Discográfica: Maldito Records
Fecha de publicación: 13 de septiembre de 2019
Los Toy Dolls son y serán una de las bandas más interesantes y divertidas que ha dado el punk rock por mucho que a ellos eso de divertido no les guste ni pizca mencionarlo. Han fichado por Maldito Records, discográfica hispana y con ella debutan con Episode XIII. De verdad que es un disco que contiene todo lo que uno espera encontrar e incluso sube un poco el listón respecto a sus anteriores obras. Coros hooligans, la voz de “Olga” y un buen puñado de nuevos clásicos que para nada desentonarán en sus próximos conciertos ante tanto himno.
Hay grandes composiciones, pero luce especialmente una instrumental que bien podría haber sido grabada por Alestorm: “Until Next Time”. Diversión a raudales con títulos tan suyos como “Knickers Off in Mykonos” o “Señor de Benidorm”. Va para nuevo clásico el “Richard Claydermsn’s a Creep” basándose en su inmortal riff y dando cera a uno de los tipos más pesados del pasado siglo. Guitarras protagonistas, coros hooligans y solos puntuales que elevan el nivel general que uno espera de una banda punk. La instrumental “El Cumbanchero” va en onda “Toccatta in D Minor” y hará que la gente se vuelva loca en sus directos. Pero esa conexión con los mejores discos como son Absurd-Ditties está presente en composiciones como “Arthur Clark’s a Dark Horse”. El trío de locos suena de maravilla y la base rítmica es una máquina que respalda temazos como “Benny the Boxer”.
Hay aquí todo lo que uno espera de los Toy Dolls, desde la portada al cierre con unas curiosas versiones para que cantes como karaoke. Absurdo pues nadie tiene la voz de Michael Algar. Esperaremos pacientemente a que llegue enero y podamos disfrutar de esta locura en directo. Como siempre será sold out pues hay muchas bandas de punk, pero nadie como los Toy Dolls. Para más información aquí tienes la entrevista con ellos.
Nota: 8/10
por Jordi Tàrrega
Artista: No One Knows What the Dead Think
Álbum: No One Knows What the Dead Think
Discográfica: Willowtip Records
Fecha de publicación: 20 de septiembre de 2019
El debut de No One Knows What the Dead Think no podría ser más redondo. El grindcore que ofrece la banda de Nueva Jersey es poco menos que bestial. Y no por pertenecer a uno de los géneros más complejos del metal extremo. Si no más bien por la calidad del disco, que es tan enorme como inesperada.
El trío está formado por Jon Chang en las voces, Rob Marton en la guitarra y bajo indistintamente, y Kyosuke Nakano en la batería.
Tras una sutil portada (poco habitual en el estilo), se esconden más de 35 minutos de pura delicia técnica. Basándose en el mathcore de bandas como Converge o The Dillinger Escape Plan, No One Knows What the Dead Think tiene su propio papel dentro de toda esa historia. La contundencia con la que ejecutan sus melodías es remarcable. Todo encaja perfectamente convirtiendo cada canción en un violento ciclón que promete no dejarte reposar. Diez canciones en menos de 20 minutos, bienvenidos al nuevo concepto math de la banda norteamericana.
Si no te gusta el grindcore no es necesario ni que lo intentes. Si te mola la brutalidad, este es tu disco y esta es tu nueva banda. No te va a decepcionar.
Nota: 9/10
por Beto Lagarda
Artista: Life of Agony
Álbum: The Sound of Scars
Discográfica: Napalm Records
Fecha de publicación: 11 de octubre de 2019
El séptimo disco de los neoyorquinos Life of Agony por fin vio la luz en octubre. El esperado trabajo de la banda de Mina Caputo logra superar con creces la calidad de sus últimos trabajos y se coloca a la altura de los que publicaron en la década de los 90.
The Sound of Scars mezcla perfectamente los sonidos que han hecho de Life of Agony una de las bandas más respetadas de la escena. Los 14 cortes del nuevo disco tienen una calidad notable y entre ellos encontramos verdaderas gemas como la corta y directa “Scars” que recuerda a Alice in Chains, “Black Heart” en una dinámica más alternativa. Otros temas buenos serían “Lay Down” o “Then”. Quizás el disco peca de largo y se deshincha en el tramo final. Con tres o cuatro canciones menos el álbum hubiese funcionado mucho mejor.
Sin duda, de la segunda vida de la banda, este disco es el que les volverá a colocar en el lugar que merecen por su música y no por la vida personal de Mina Caputo.
Nota: 8/10
por Beto Lagarda
Artista: Michael Monroe
Álbum: One Man Gang
Discográfica: Silver Lining Music
Fecha de publicación: 18 de octubre de 2019
A ver cómo digo yo esto… Tenía mi top 5 de discos anuales redactado, todo muy pensado, maquetado y todo eso, y de repente, escuchando álbumes para estos artículos de grandes olvidados, sale lo último de Michael Monroe. ¿Total? Toca rehacer el top 5 anual, porque, sin duda alguna, esta maravilla debe entrar. Bueno, para empezar una mini review, no está mal, ¿no?
Conocí al ex Hanoi Rocks por casualidad. En el pasado Rock Fest lo iba a cubrir un compañero, pero por cosas de la vida no pudo y me tocó a mí. ¡Bendita suerte! pues no solo se cascó el mejor concierto del festival, sino que encontré todo lo que busco en la música (tanto en disco como en directo): actitud, diversión, melodía… ¡pasármelo bien! Y básicamente es lo que nos ofrece en este One Man Gang. Con el peso compositivo a cargo del dueto de guitarras, Conte y Jones, y un resto de la formación de auténtico lujo, el nórdico nos ofrece en 12 temas un gran ejemplo de lo que es su carrera. Desde temas con cierto gusto punkarra como la homónima o «The Pitfalls of Being an Outsider» (dos de las destacadas), a otras más hard rockeras y coreables, como el single «Last Train to Tokyo». Tenemos, también, baladas nada azucaradas y medios tiempos que te llenarán d e energía positivo.
Absoluto descuido en octubre. Si eres amante de los géneros que he mencionado, no dejes pasar este autentico bombazo de disco.
Nota: 8,5/10
por Xavi Prat
Artista: Barbarian Swords
Álbum: Totemic Anal Turbofucker
Discográfica: Background Noise
Fecha de publicación: 18 de octubre de 2019
Totemic Anal Turbofucker es el título del nuevo disco de los catalanes Barbarian Swords y es algo así como una patada en los huevos.
Es tan intenso el disco que los 24 minutos de duración parecen un paseo por un soleado purgatorio. Las neuronas de tu cabeza no soportan la presión a la que son sometidas por los berridos pútridos de Von Päx o los blastbeats de Joe Beltza.
Tras una intro monástica titulada “Dios te Salve”, entra en estampida el primer corte propiamente dicho. “How to Destroy Christianims” es brutalidad por bandera. Dos minutos y diez segundos que te oprimen tanto que no sabes si poner pausa y cortarte las venas o intentar seguir adelante con tu acometido. Totemic Anal Turbofucker no es un disco fácil y, ni mucho menos, disfrutable. ¿Acaso disfrutarías mientras te arrancan las uñas con unas tenazas? Esta parece ser la voluntad de unos Barbarian Swords que tiene hambre de muerte, de descomposición y de putrefacción.
Si logras superar los 24 minutos, siéntete satisfecho. No es fácil, pero puede merecer la pena.
Nota: 7/10
por Beto Lagarda
Artista: Rings of Saturn
Álbum: Gidim
Discográfica: Nuclear Blast Records
Fecha de publicación: 25 de octubre de 2019
Gidim (2019) es el quinto álbum de Rings of Saturn, una banda de alienígenas yankees que practica un deathcore… ¿diferente?
Sí, digo «diferente» porque el estilo de los de San Francisco está plagado de unos sintetizadores, que rara vez uno se encuentra en un género como este. La banda no publicaba nada desde 2014, año en el que vio la luz Lugal Ki, pero parece que el tiempo no ha frenado en absoluto sus ansias por acelerar las cosas por encima de las posibilidades del ojo, oído, gusto y tacto humano. De hecho, con este Gidim van incluso un poco más allá.
No sé si será su mejor trabajo hasta la fecha. No sé si este álbum va dirigido a personas que disfrutan de la brutalidad sin piedad o si bien está pensado para deleitar los paladares de aquellos a los que se la ponen dura las melodías ostentosas y el tecnicismo extremo. Los 44 minutos de locura están impregnados por esa interpretación inusual y atípica de la guitarra, ya sea en forma de riffs eclécticos, melodías alienígenas o solos que te dejan con la boca de par en par. He perdido ya la cuenta del número de cuerdas con las que cuentan las armas de destrucción masiva de los buenos de Lucas Mann y Joel Omans, guitarristas de la banda. Nos hay más que pegarle un vistazo a cualquier tema, como por ejemplo el de apertura, «Pustules» (en la que colabora el también el guitarrista Charles Caswell), para comprobar en tus propias carnes que la distorsión que habita en este álbum tiene una cualidad muy extraña, probablemente provocada por el uso de guitarras no estándar. Creo que es precisamente ese extremo el que provoca que sea infinitamente comprensible (e incluso algo razonable) que te canses un poco a partir del cuarto o quinto tema, y pierdas el interés… ¿verdad, Robert?
50% progresivos Vs. 50% experimentales, el trío, en el que ya no está el acojonante batería Aaron Stechauner (Interloper), busca por todos los rincones de la mente humana y trata de experimentar con expresiones musicales cada vez más intensas y complejas. Intensos, y me atrevería a decir que insaciables, su apetito por lo más extremo parece no tener límites. Es precisamente esa ansia la que les convierte en únicos y, seguramente, irrepetibles.
Las voces -a cargo de Ian Bearer– sí nos pueden resultar más familiares. Aquí, lo inhumano, sí deja hueco a gruñidos y gritos de una manera más estándar en comparación con la música en sí. La producción es excelente, lo que hace que las voces ayuden a «humanizar» un poco las canciones.
Gloriosos o no, pues cuentan casi con tantos detractores como amantes, este Gidim rezuma espectáculo por todos sus poros. Altamente recomendable para tod@s aquell@s que estén buscando un festín extremo y moderno ridículamente técnico.
Nota: 8/10
por Rubén de Haro
Artista: Long Distance Calling
Álbum: STUMMFILM
Discográfica: Inside Out Music
Fecha de publicación: 1 de noviembre de 2019
En mi mundo, el triunvirato esencial en la escena post rock / post metal / instrumental contemporánea (la verdad es que ya no sé como llamarlo, porque todas esas bandas parecen renegar fuertemente de estas etiquetas) lo forman a día de hoy los americanos Russian Circles, los madrileños Toundra y los alemanes Long Distance Calling. Las tres bandas tienen visiones e interpretaciones muy distintas del estilo, claro, pero convergen en una sensibilidad única que los hace especiales. Porque éste es un género que, a pesar de gustarme casi todo lo que escucho de forma casi inmediata, creo que tiende a hacerse tremendamente genérico: casi cualquier banda o canción me hace asentir con la cabeza con satisfacción al llevármela a las orejas, pero una vez pasado al siguiente tema, la verdad es que tiendo a no acordarme absolutamente de nada. Las tres bandas que menciono, y por eso me gustan tanto, escapan definitivamente de este patrón: a Toundra los conocemos y apreciamos de sobras, y Russian Circles también son bastante reconocidos por estos lares, pero creo que Long Distance Calling aún sigue en un cierto segundo plano que, a mi juicio, no se merece.
Y buena prueba de su falta de reconocimiento aquí (y, en realidad, en casi cualquier sitio fuera de Alemania) es que cuando el año pasado se embarcaron en una gira especial en espacios de particular belleza y en la que el público estaba sentado, solo lo hicieron por Alemania. Hablando con ellos del tema me dijeron que su mercado más potente sigue siendo de largo el germano, y que si no han vuelto a nuestros escenarios desde hace fácilmente seis o siete años es porque, sencillamente, no han recibido ofertas para hacerlo. A mí me parece una pena, la verdad, ya que lo de este quinteto (tanto en disco como en directo) es bastante impresionante, y con los años han ido amasando una cantidad de discazos y de temazos con poco o nada que envidiar a ninguna otra banda del estilo.
STUMMFILM es el primer disco en directo de la carrera de Long Distance Calling, y sirve pues para recopilar algunos de los mejores momentos de su trayectoria. Aprovechando el (casi) décimo aniversario del que quizás es, aún, su disco más celebrado, Avoid the Light tiene una relevancia especial en su repertorio, que contiene cinco de sus seis cortes. El otro gran protagonista es precisamente su último trabajo, Boundless, que se lo merece no solo por definir el presente del grupo a día de hoy sino también porque se trata claramente de uno de los mejores álbumes de su carrera. Los que sí que no tienen demasiado lugar aquí son el par de experimentos que hizo la banda introduciendo un vocalista. Y mira que a mí The Flood Inside (no tanto TRIPS) me gusta mucho, pero estaba claro que ese no era su camino.
A alguien le puede parecer una eternidad, pero a mí las dos horas y pico que dura este disco se me hacen totalmente deliciosas, y no me cuesta cerrar los ojos e imaginarme estar en esa misma iglesia en la que se grabó el concierto. Los temas suenan nítidos e impolutos, la aparición ocasional de los cellos es absolutamente épica, y aunque se supone que debes estar sentado para ver y disfrutar de los conciertos de esta gira, a mí me costaría un mundo mantenerme quieto ante pepinazos como «In the Clouds», «Out There», «Apparitions», «Black Paper Planes», «I Know You, Stanley Milgram!» y compañía, y a juzgar por los gritos y ovaciones del respetable entre unas y otras, no dudo que más de uno sucumbió a la tentación con más o menos disimulo.
Todo el mundo que les conoce queda rendido a sus pies, así que si tú no eres aún uno de ellos, aprovecha este disco donde aparecen gran parte de sus mejores canciones y no te quedes atrás. Y oye, que si somos suficientes, quizás en su próxima gira se animan a pasar por aquí.
Nota: 9/10
por Albert Vila
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