Este año, he decidido romper con mi costumbre de no elaborar listas de lo mejor del año. De hecho, hace varios años que no participo en esta sección. Sin embargo, este año me he animado a hacerlo, y por la puerta grande, elaborando un top con las 50 mejores canciones del año, según mi particular criterio.
Es importante mencionar que es muy difícil, por no decir imposible, ordenar estas canciones de menos buena a más buena. Seguramente, tras repasar la lista tres, 20 o 311 veces, alteraría el orden de las canciones una y mil veces. Por lo tanto, no hay que hacer demasiado caso al orden en que aparecen en la lista, a excepción de las cinco o 10 primeras, que no tocaría y/o alteraría por nada del mundo… creo. Lo importante es disfrutar de la música y apreciar la diversidad y calidad de las canciones (por mí) seleccionadas.
Además, quiero destacar que, en mi opinión, el 2023 ha estado marcado por muchísimos temazos. A pesar de que algunas personas puedan decir que ha sido un año flojo, musicalmente hablando, yo creo que ha estado repleto de grandes álbumes. Cada uno de estos álbumes ha aportado algo único y valioso al panorama musical, y estoy emocionado de compartir mis canciones favoritas con tod@s vosotr@s.
De no querer colaborar en lo mejor del año, a elaborar un Top 50 de las mejores canciones de este 2023 que está por finalizar. En este fregao me he metido yo solo…
El intrincado catálogo sonoro del año 2023: Un opulento despliegue de las 50 mejores canciones, cuidadosamente seleccionadas por mí, donde la suntuosidad melódica alcanza niveles cósmicos, desafiando la mera existencia de otras listas, ya que estas selecciones no solo resplandecen, sino que deslumbran con un esplendor auditivo exclusivo e inigualable, desafiando la convencionalidad musical con un desfile majestuoso de notas que, sin duda, dejarán atrás a cualquier otra compilación sónica confeccionada por mortales melómanos comunes
¡Metalheads, rocker@s y gente ecléctica de bien, preparaos para una inmersión en el abismo sonoro de mis 50 canciones más bestiales del año! Pero, atención, antes de que se arme la moshpit de críticas, permitidme aclarar que esta lista es tan subjetiva como las letras de Black Sabbath. No hay reglas en el reino del metal, y esta selección es solo el resultado de mis extravagantes gustos personales en el vasto cosmos de riffs y voces guturales.
Imagina esta lista como un festival de metal en el que intento equilibrar la brutalidad de Cattle Decapitation con la complejidad djent-progresiva de Periphery, y donde Judas Priest y The Baboon Show comparten escenario sin mellar el espíritu incendiario. Si no encuentras tu himno de guerra personal aquí, recuerda que la escena del rock y el metal es tan vasta como la galaxia de todo lo core.
Este año ha sido un viaje en montaña rusa de blast beats, solos de guitarra que te dejan sin aliento y letras tan oscuras como el alma del vocalista de Ov Sulfur. Esta lista intenta ser un tributo a la diversidad del metal, como un monstruo de Frankenstein musical con partes de thrash, death, hardcore y más.
Admito que hay tantas joyas del metal como púas en una chupa de cuero, pero mis oídos, al igual que la bestia, tienen limitaciones. Así que, metaleros y metaleras, agarraos los cuernos y preparaos para la disonancia de opiniones. ¡Que comience el headbanging!
#50
Artista: Escuela Grind
Canción: «Meat Magnet» (feat. Mark «Barney» Greenway)
Autores: Jesse Fuentes y Katerina Economou
Álbum: Meat Magnet (single)
Discográfica: MNRK Records
Justo cuando pensaba que mi Top 50 estaba finalizado, me he tropezado con un auténtico temazo de Escuela Grind que ha alterado por completo mi clasificación. La colaboración del vocalista de Napalm Death, Mark «Barney» Greenway, le añade un toque explosivo que no puedo pasar por alto.
«Meat Magnet», que se dio a conocer el pasado 15 de diciembre, estará incluida en el nuevo disco de la banda, Ddeeaatthhmmeettaall (2024), que verá la luz el próximo día 12 de enero, y es tan impactante que me he visto obligado a reorganizar mi lista para darle el lugar que se merece. Aunque he tenido que sacrificar un tema para hacerle espacio, me guardo el secreto de cuál ha sido el tema finiquitado. Pero bueno, como se puede ver, ocupa el último lugar de la lista (¡y no porque sea la peor de las 50!), así que no me he comido demasiado la cabeza. La emoción de incorporar esta joyita a mi lista final es indescriptible, y estoy seguro de que cualquiera que aprecie la brutalidad del grindcore entenderá mi postura.
Ver a Barney colaborando con una banda tan genial como Escuela Grind es enorme. Y lo más asombroso es que ambas bandas han estado girando por España recientemente. Las actuaciones/clases de aerobic en vivo del cuarteto de Pittsfield son todo un espectáculo. Lástima que yo me perdí la mitad de la actuación de Napalm Death por culpa de la imbécil de mi acompañante… però això avui no toca.
El tiempo pasa, pero la escena musical sigue sorprendiéndonos con colaboraciones tan inesperadas y geniales como esta. El presente y el futuro del grindcore están en muy buenas manos.
#49
Artista: Atreyu
Canción: «God/Devil»
Autores: Brandon Saller, Dan Jacobs, Kyle Rosa, Marc McKnight y Travis Miguel
Álbum: The Beautiful Dark of Life
Discográfica: Spinefarm Records
Lo de este año de Atreyu es un puto lío. Han sacado mil EP’s, que luego han juntado en un único LP y hace poco, apenas dos semanas, veía la luz este The Beautiful Dark of Life (2023), LP en el cual también se incluye este temazo que aquí os traigo: «God/Devil».
La banda ha evolucionado a lo largo de las décadas, ha experimentado transformaciones notables en su sonido a lo largo del tiempo. Aunque algunos nostálgicos puedan recordar con cariño la esencia de la banda en sus primeros años, es innegable que Atreyu ha evolucionado y se ha reinventado a sí misma.
En este viaje musical, Atreyu ha atravesado diversas etapas, explorando distintos matices y experimentando con nuevos elementos sonoros. A pesar de que su sonido actual pueda diferir de la energía cruda que caracterizaba sus primeros trabajos, la habilidad innata de la banda para crear composiciones impactantes sigue siendo innegable.
Un ejemplo destacado de esta habilidad se materializa en su tema «God/Devil». A pesar de las metamorfosis en su estilo a lo largo del tiempo, Atreyu demuestra que aún conserva la capacidad de gestar temas tan intensos y memorables como este.
Qué gran estribillo, coño:
«Angels or demonsWill you save me?Can you see me falling?God or the devilCan you see me?Can you hear my call?»
#48
Artista: Ós Voltor
Canción: «Aire a les venes»
Autor: Jordi Escardívol
Álbum: Aire a les venes (single)
Discográfica: Autoeditado
Desde Sant Boi de Llobregat, Barcelona, nos llega Ós Voltor, el nuevo proyecto del ex de The Eyes, de Mount Cane y de Coet, Jordi Escardívol, una nueva formación que se erige como una potente banda de rock con reminiscencias que abarcan desde los años 70 hasta los 90… y más allá. Este quinteto ha dado a luz a una criatura dotada de un carácter visceral, y «Aire a les venes» es el primer ejemplo de ello.
Desde las profundidades de su incubación, Ós Voltor ha forjado su identidad musical en un crisol de influencias que abarcan múltiples épocas y estilos. El hervidero creativo de la banda, alimentado por la energía cruda y auténtica, ha dado lugar a un repertorio que no solo rinde homenaje a las décadas pasadas, sino que también se aventura más allá de las fronteras temporales, explorando nuevos universos sonoros con una intensidad que roza lo sobrenatural.
Los ecos de su música resuenan como una sinfonía apasionada que se despliega en una sinergia única, donde la conexión entre los miembros de la banda se convierte en un catalizador de emociones indomables. La pulsante energía que emana de Ós Voltor no solo se limita a los registros auditivos, sino que se convierte en un viaje sensorial que encapsula la esencia misma de la rebeldía musical.
De momento solo hemos podido escuchar un par de adelantos —«La llum del Sol»— es el otro, y la cosa promete mucho, muchísimo. Molta merda, nois! Ens veiem als escenaris!
#47
Artista: Johnny Booth
Canción: «Collapse in the Key of Fireworks»
Autores: Adam Halpern, Andrew Herman, Nicholas Martell, Ryan Strong y Scott Owens
Álbum: Moments Elsewhere
Discográfica: Booth Records
Hace relativamente poco tiempo que descubrí a Johnny Booth, una banda de hardcore originaria del estado de Nueva York, conocida por sus melodías aplastantes con influencias de múltiples géneros. han de ser tuyos si te pirras por The Dillinger Escape Plan, Every Time I Die y Between the Buried and Me, por ejemplo.
Su nuevo álbum, Moments Elsewhere, fue lanzado el 21 de julio de 2023. El álbum consta de 12 canciones, incluyendo «Collapse in the Key of Fireworks», un corte rápido y furioso repleto de blast beats y chuggas, si bien la cosa se ralentiza, y de qué manera, hacia el meridiano, dando paso a una segunda mitad más pausada pero igualmente vigorosa. Los últimos 25 segundos son de traca.
#46
Artista: Samurai Pizza Cats
Canción: «Pizza Homicide» (feat. Nico Sallach)
Autores: Daniel Haniß, Sebastian Fischer, Stefan Buchwald y Stefan Reufer
Álbum: You’re Hellcome
Discográfica: Easthaven Records
Samurai Pizza Cats llevan en activo desde 2021, año en el que el guitarrista de Electric Callboy Daniel Haniß, el vocalista Sebastian Fischer (Fall of Gaia) y Stefan Buchwald (ex Fall of Gaia) se unieron a Stefan Reufer (ex Eleven Years). Este pequeño supergrupo, que practica lo que ellos denominan «CatCore from Castrop», que no es más que una mezcla de metalcore y deathcore con elementos electrónicos. O sea, básicamente, lo que ha puesto a Electric Callboy ahí arriba. La banda se formó en torno a un amor compartido por el anime y el deseo de hacer música en sus propios términos.
Su carta de presentación es este tema, «Pizza Homicide», en el que colabora Nico Sallach, precisamente, uno de los vocalista de los ya citados Electric Callboy. Se trata de una canción enérgica y llena de humor, cuya letra trata sobre la pasión del protagonista por la pizza y su rechazo a la idea de poner piña en ella, algo que ya se les ocurrió a Attila hace unos años.
La canción comienza con el protagonista hablando de su amor por la pizza y cómo está dispuesto a entregarla a cualquier hora del día. A medida que avanza la canción, el protagonista expresa su disgusto por las personas que ponen fruta, específicamente piña, en su pizza.
El tema es una mezcla de metalcore y electrónica, con un ritmo rápido y letras llenas de humor. Aunque la canción puede parecer ligera y humorística en la superficie, también puede interpretarse como una crítica a las personas que fingen ser algo que no son, de ahí el título «Pizza Homicide».
¿Y a ti, cada vez te cuesta más explicarle a la peña qué música te gusta escuchar…?
#45
Artista: Zulu
Canción: «Fakin’ tha Funk (Your Get Did)»
Autores: Anaiah Lei, Satchel Brown, Christine Cadette, Dez Yusuf y Braxton Marcellous
Álbum: A New Tomorrow
Discográfica: Flatspot Records
Lo de los californianos Zulu es de traca. Con apenas cuatro años de existencia, a inicios de año se cascaron un debut, A New Tomorrow (2023), repleto de temas rápidos, intensos y pesados, combinados con interludios de funk, jazz, hip-hop y partes habladas, creando una descripción específica pero panorámica de la cultura y la experiencia afroamericana.
Su álbum ha sido elogiado por su habilidad a la hora de mezclar varios géneros y estados de ánimo, y ha aparecido en varias listas de los mejores álbumes del año, así que yo no iba a ser menos. Las partes difíciles del álbum son muy difíciles, pero Zulu combina esas partes con canciones que van en direcciones muy diferentes y con muestras de reggae y clásicos de Curtis Mayfield que a veces son más largas que las propias pistas de Zulu.
En cuanto a «Fakin’ tha Funk (Your Get Did)» trata sobre alguien que ha estado fingiendo ser algo que no es durante mucho tiempo. La canción también menciona la idea de que algunas personas quieren actuar de cierta manera pero no están dispuestas a enfrentarse a las consecuencias de sus actos. Es de las más cortas e intensas de este trabajo y su vigoroso estilo roza, por momentos, el grindcore.
Si Malcolm X, Spike Lee, Darryl McDaniels y Vernon Reid montaran una banda, sonaría como Zulu.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#44
Artista: Cattle Decapitation
Canción: «Just Another Body»
Autores: David Mcgraw, Travis David Ryan, Belisario Nickolas Dimuzio y Joshua Joseph Elmore
Álbum: Terrasite
Discográfica: Metal Blade Records
Ya lo dije en su día, así que me voy a auto-citar:
«El final nos llega en la forma de «Just Another Body», una canción que dura más de 10 minutos. ¿Es demasiado larga para ser una canción de metal extremo? Probablemente, sí, pero Cattle Decapitation superan con creces esa etiqueta; se han pasado el juego del deathgrind miles de veces y les permitimos que hagan lo que se les antoje. Tener los huevos de meter un tema tan largo al final solo nos demuestra que han evolucionado y que tras más de 40 minutos de tralla sin cuartel, todavía les queda cuerda para plantarnos esta obra maestra que cierra un trabajo intenso, duro e inteligente que acerca y completa el concepto.
Una introducción lenta y aprensiva con acompañamiento orquestal incluido mientras la oscuridad se apodera de nosotros. Es de lo más impresionante que hayas escuchado este año. Poco a poco se convierte en una pista absolutamente asombrosa, con transiciones entre el lado más agresivo de esta banda, a pasajes más limpios y profundos, incluso progresivos. Una auténtica locura que viene a dejar meridianamente claro que el crecimiento que ha experimentado esta banda en los últimos años es asombroso e impresionante.»
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#43
Artista: The Last Internationale
Canción: «Hoka Hey!»
Autores: Delila Paz y Edgey Pires
Álbum: Running for a Dream
Discográfica: Elephant Army
The Last Internationale, una banda de rock estadounidense formada por el guitarrista neoyorquino Edgey Pires y la vocalista Delila Paz, ha capturado la atención de tod@s con su enfoque único y socialmente consciente en la música. Con un estilo ecléctico que fusiona folk, blues, rock ‘n’ roll y punk, la banda desafía las convenciones musicales con melodías obsesivas, letras impactantes y actuaciones en vivo llenas de energía.
Su álbum más reciente, Running for a Dream (2023), es, en palabras de mi compañero Jaime Arjona, «un disco bastante apetecible, quizás algo más melódico que lo anteriormente mostrado, (…) pero les falta un punch para poder subir un peldaño».
Uno de sus sencillos más potentes es «Hoka Hey!», una frase lakota (pueblo que vive en los márgenes del norte del río Misuri, que son parte de la tribu sioux), que se supone que significa algo así como «¡Este es un buen día para morir!», sugiere una conexión profunda con la narrativa social y de protesta tan característica del dúo. Dada la reputación de The Last Internationale en estas áreas, es plausible que la elección del título esté imbuida de significado y contexto. Su potente riff, herencia clara y descarada del Sr. Morello y sus Rage Against the Machine, se complementa a la perfección con los golpes supersónicos del enorme Eloy Casagrande (Sepultura) tras la batería.
The Last Internationale continúa desafiando expectativas con Running for a Dream, ofreciendo un panorama musical expansivo, y canciones como «Hoka Hey!» indican que la banda sigue explorando territorios musicales y temáticos, dejando a los oyentes ansiosos por descubrir más capas en su intrincada propuesta artística.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#42
Artista: (hed) p.e.
Canción: «Waiting»
Autores: Jahred Gomes y Remy Dovianus
Álbum: Detox
Discográfica: Suburban Noize Records
(hed) p.e. ha resistido la prueba del tiempo sin perder su esencia característica. Su más reciente canción, «Waiting», el último de los sencillos lanzados para presentar su nuevo álbum de estudio, Detox (2023), destila la rebeldía cruda que define a la banda desde sus inicios, mejorando considerablemente la calidad de sus más recientes obras.
La canción es de las más rockeras que hayan publicado últimamente, y su vocalista Jahred Gomes se enamoró de ella desde el momento en que escuchó la parte instrumental. La inspiración lírica para «Waiting» provino del desamor de su hijo. Ver a su hijo pasar por las pruebas del amor juvenil proporcionó una perspectiva diferente sobre las cosas y le permitió revivir algunas de sus propias experiencias juveniles. El tema presenta la fusión única de punk, rap y metal que caracteriza a (hed) p.e., y demuestra que la banda sigue siendo capaz de producir música impactante y significativa.
Lo impresionante de (hed) p.e. es su capacidad para evolucionar sin perder su identidad. A través de cambios en la formación, la banda sigue entregando composiciones poderosas como ésta. La canción es un testimonio de su madurez lírica y musical, manteniendo la rebeldía que los catapultó a la escena musical.
En un mundo musical tan efímero, (hed) p.e. sigue siendo uno de los faros de autenticidad que todavía me alumbran.
#41
Artista: Helmet
Canción: «Holiday»
Autores: Hamilton Page Nye y Kyle Stevenson
Álbum: Left
Discográfica: earMUSIC
Siempre es un motivo de alegría cuando una banda tan influyente de los años 90 como Helmet sigue produciendo música de calidad. Su más reciente obra, Left (2023), es un claro ejemplo de su maestría y talento. Esta banda ha demostrado una vez más que su capacidad para crear música impactante y significativa no ha disminuido con el paso del tiempo. Left nos recuerda por qué Helmet ha dejado una huella tan importante y duradera en la escena musical y continúa siendo una fuente de inspiración para much@s.
«Holiday» es el primer sencillo de dicho trabajo, el primero desde Dead to the World, que fue lanzado en 2016. La canción presenta unos riffs bastante suculentos, marca de la casa, y los ritmos cortantes tan característicos de Helmet, recuperando el espíritu de sus discos de los 90. Y ese solo. Son varios los elementos familiares de una canción típica de Helmet que están tan bien representados en esta pista. Lo bueno de todo esto es que Paige aún puede hacer que todo lo anterior suene todavía bastante fresco y/o único. Aunque las opiniones sobre la canción varían, con algunas críticas mixtas, «Holiday» demuestra que la banda sigue siendo capaz de producir música impactante y significativa.
#40
Artista: Terminal Violence
Canción: «Riddle of a Nightmare»
Autores: Tolo Juan, Edgar Beltri, Ricard «Pal» Salvatella, Miquel Roura y Hèctor Rodríguez
Álbum: Warhole (EP)
Discográfica: Autoeditado / Moshapocalipse Records
«Riddle of a Nightmare» es quizá la canción más destacada de Warhole (2023), el EP debut de la banda de thrash metal Terminal Violence. Esta banda catalana, formada por ex miembros de The Eyes, Hyde Abbey, Nuckin’ Futs y Bellako, ha logrado capturar la esencia del thrash metal de la Bay Area, un género que tuvo su auge en los años 80 con bandas como Metallica y Exodus.
A pesar de que el thrash metal tiene sus raíces en el pasado, Terminal Violence ha demostrado que el género sigue vivo y vibrante, y «Riddle of a Nightmare» es un claro ejemplo de ello. La canción destaca por sus riffs demoledores, dobles bombos infernales y la voz demencial de Tolo, ingredientes que hacen de este tema, y del EP en general, una muestra de profesionalidad y talento.
Aunque el thrash metal puede parecer un género manido, Terminal Violence ha demostrado que reinterpretarlo no es tarea fácil, pero sí posible y gratificante. Con «Riddle of a Nightmare», han logrado crear una pieza que, sin duda, sorprende y nos emociona a los amantes del género.
#39
Artista: Drain
Canción: «Evil Finds Light»
Autor: Salvatore Ciaramitaro, Tim Flegal y Cody Thomas Chavez
Álbum: Living Proof
Discográfica: Epitaph Records
Drain, la banda de crossover hardcore con sede en Santa Cruz, California, ha demostrado una vez más su destreza y energía con su último álbum, Living Proof (2023). Este trabajo, que sigue a su convincente debut de 2020 California Cursed, es un testimonio de su habilidad para fusionar el hardcore más metálico con influencias del thrash metal de los años 80.
Living Proof es un estallido de ritmos explosivos y voces poderosas, un verdadero tesoro para los amantes del hardcore, y la canción «Evil Finds Light» es un ejemplo destacado de su talento, con su ritmo intenso y su energía infecciosa.
Lo que hace que Drain sea especial es su actitud positiva y su habilidad para infundir frescura en el hardcore tradicional. Su sonido es audaz, descarado y apasionado, y su música es una avalancha de satisfacción. Con Living Proof, no solo han creado un álbum brillante, sino que también están contribuyendo a redefinir el género del hardcore. Sin duda, Drain es una banda a tener en cuenta en el panorama musical actual. Les auguro un futuro la mar de prometedor.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#38
Artista: ’68
Canción: «Removed Their Hooks»
Autor: Josh Scogin
Álbum: Yes, and…
Discográfica: Pure Noise Records
La banda ’68, encabezada por el genio musical Josh Scogin, ex miembro de The Chariot, ha vuelto a deslumbrar con su último lanzamiento, Yes, and… (2023). Este álbum se erige como uno de los trabajos más destacados del año, consolidando la reputación de Scogin como un artista visionario en la escena musical contemporánea.
Yes, and… es una obra que fusiona la intensidad del punk con la crudeza del noise rock, creando un sonido único y visceral que captura la esencia misma de la energía en bruto. La habilidad de Scogin para transitar entre rugientes riffs y momentos de melancolía hipnótica demuestra su destreza como compositor y ejecutante.
Cada pista de este álbum es una montaña rusa emocional, llevando a los oyentes a través de paisajes sonoros turbulentos y, al mismo tiempo, cautivadores. La habilidad de Scogin para narrar historias a través de la música se manifiesta de manera excepcional en temas como «Removed Their Hooks», creando una experiencia auditiva que va más allá de lo convencional.
Con una mezcla innovadora de texturas sonoras, letras profundas y una ejecución magistral, ’68 ha logrado con su último larga duración no solo mantenerse relevante en la escena musical, sino poder celebrar su creatividad desenfrenada y la pasión ardiente que define la trayectoria de Josh Scogin y su impacto en la evolución del rock contemporáneo.
#37
Artista: Angelus Apatrida
Canción: «Cold»
Autores: Guillermo Izquierdo, David G. Álvarez, José J. Izquierdo y Víctor Valera
Álbum: Aftermath
Discográfica: Century Media Records
Los albaceteños Angelus Apatrida han demostrado una vez más su dominio en el género con la publicación de su último álbum Aftermath en 2023. Con cada nuevo trabajo, la banda deja en claro que son una de las mejores bandas de thrash metal a nivel mundial.
El primer single de Aftermath, «Cold», es una clara reafirmación de esta afirmación. La canción es una poderosa mezcla de música intensa y letras profundas que hablan de lucha y resistencia, reflejando la intensidad emocional y la fuerza que caracterizan a la banda.
Angelus Apatrida continúa elevando el estándar del thrash metal con cada nuevo álbum. Su música, llena de pasión y habilidad técnica, los ha establecido firmemente como una de las mejores bandas del género a nivel mundial. «Cold» es testimonio de su talento y dedicación. ¡Larga vida a Angelus Apatrida!
#36
Artista: Calva Louise
Canción: «Third Class Citizen»
Autora: essica Allanic
Álbum: Over the Threshold
Discográfica: Blood Records
Calva Louise, una banda conocida por su estilo único, lanzó su álbum Over the Threshold el 1 de diciembre de 2023, un trabajo que es una mezcla de emociones poéticas y desafíos constantes, como se refleja en la canción en español «Con corazón» y los temas «Square One», «Over the Threshold» y la instrumental «Outro».
El single «Third Class Citizen» es una representación destacada de su estilo musical, pues combina elementos de nu-metal y rock alternativo, creando un paisaje sonoro impresionante con unas letras impactantes. La letra de la canción es un grito de resistencia y dignidad, con frases como:
«I’m not a fucking third class citizen
Try me all you want
You will never have a grip on me”
Estas líneas reflejan una fuerte declaración de auto-afirmación y resistencia contra la opresión.
Over the Threshold es, en definitiva, un álbum que desafía las convenciones y ofrece una perspectiva fresca y emocionante en el panorama musical actual, mi entras que su single «Third Class Citizen» es un testimonio de su habilidad para fusionar géneros y crear música que es tanto emocionalmente resonante como socialmente consciente.
#35
Artista: The Baboon Show
Canción: «Made Up My Mind»
Autor: Håkan Sörle
Álbum: God Bless You All
Discográfica: HFMN Crew / Kidnap Music / Filferro Records / Cargo Records
The Baboon Show ha consolidado su posición como una de las formaciones de rock más potentes y en forma de los últimos años. Con su álbum anterior, Radio Rebelde (2018), ya dejaron claro su talento y su capacidad para ofrecer música de alta calidad. Ahora, con su más reciente obra, God Bless You All (2023), y canciones como «Made Up My Mind», han vuelto a demostrar su destreza musical y su habilidad para crear temas impactantes.
Lo que destaca aún más es su impresionante desempeño en vivo. The Baboon Show se ha ganado la reputación de ser una de las mejores bandas en directo en la actualidad. Sus actuaciones son apasionadas, enérgicas y vigorosas, lo que crea una experiencia única para sus fans. La combinación de su talento musical y la entrega apasionada en el escenario hace que sus conciertos sean memorables y emocionantes.
L@s suec@s no solo ha mantenido su excelencia musical con God Bless You All, sino que también ha reafirmado su estatus como una de las mejores bandas de rock en la escena actual, tanto en estudio como sobre el escenario.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#34
Artista: Dog Eat Dog
Canción: «Lit Up»
Autores: John Connor, Roger Haemmerli, Dave Neabore y Brandon Finley
Álbum: Free Radicals
Discográfica: Metalville Records
El año 2023 ha marcado el regreso triunfal de los míticos Dog Eat Dog con su álbum Free Radicals, el primero en 17 años. Este disco, lanzado el 20 de octubre de 2023, es una refrescante mezcla de estilos contemporáneos que no renuncia a sus raíces. Con 14 canciones explosivas e inspiradoras, es un álbum fresco y altamente adictivo que ha sido muy bien recibido por los fans.
El primer tema del álbum, «Lit Up», es una verdadera joya. Comienza de manera desenfadada y veraniega, evocando una sensación de despreocupación y diversión. Sin embargo, a medida que la canción avanza, se transforma en una tormenta de sonidos con unas guitarras finales que nos transportan directamente a los años 90, a su época más épica marcada por All Boro Kings (1994).
«Lit Up» nos ofrece potentes guitarras, ritmos groovy y un estribillo la mar de pegadizo, mientras transmite un mensaje positivo y edificante, como no podía ser de otra forma viniendo de ellos. Este tema es un claro ejemplo de la habilidad de Dog Eat Dog para fusionar estilos y crear música que es a la vez familiar y sorprendentemente nueva.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#33
Artista: Texas in July
Canción: «Put to Death»
Autores: Christian Royer, Chris Davis y J.T. Cavey
Álbum: Without Reason (EP)
Discográfica: Equal Vision Records / Rude Records
¿Es posible recuperar la forma después de una prolongada ausencia? La respuesta, cuando se trata de Texas in July, es un contundente «Sí». Su más reciente trabajo, un mini álbum, demuestra que la banda está en plena forma y que Without Reason no es simplemente un viaje nostálgico. El primer sencillo, «False Divinity», salió a la luz en junio de 2023, seguido de «Put to Death». Al sumergirnos en estas nuevas pistas, queda claro que la banda continúa con su característica inclinación por componer metalcore increíblemente pesado y repleto de riffs.
«Put to Death», el corte número tres, es una canción única. Más oscura y rápida, fue escrita de manera diferente al resto de las canciones de este EP. Es implacable, y no deja a nadie indiferente, con un estribillo salvaje con tintes blackers, mostrando un rango vocal sin precedentes de su vocalista J.T. Cavey y el doble pedal más rápido que Adam Gray jamás haya grabado. La canción en sí aborda la idea de seguir a un líder en lugar de trazar tu propio camino.
Este nuevo material no solo confirma la vigencia de Texas in July, sino que también señala un emocionante desarrollo en su evolución musical.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#32
Artista: Udol
Canción: «El Regne»
Autores: Adrià Boluda y Joan Roqueries
Álbum: El Regne
Discográfica: Autoeditado
El dúo de Caldes de Montbui se ha ido labrando un nombre dentro del panorama doom estatal, y este El Regne (2023) no es más que su consagración, una más que merecida recompensa a años de esfuerzo y de picar piedra.
Epicidad doomer en su máxima expresión. Eso es lo que se desprende de «El Regne», un tema de más de seis minutos de duración que pasa muy bien, dulce y meloso, pero con la pizca justa de mala leche contenida.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#31
Artista: Tigerclub
Canción: «The Perfume of Decay»
Autores: Jamie Stephen Hall, Jimi Wheelwright y James Allix
Álbum: The Perfume of Decay
Discográfica: Loosegroove Records
¿Posible riff del año? La verdad, no lo sé, pero pocos riffs de guitarra suenan tan malvados como el que nos regala Jamie Stephen Hall en tema homónimo que da título al que ya es el tercer larga duración del trío de Brighton.
«The Perfume of Decay» de Tigercub destaca por su riff de guitarra tan característico, que se repite a lo largo del tema, lo que hace que la canción sea todavía más memorable. Es potente y melódico, lo que contribuye a la atmósfera general de la canción. Además, complementa la línea de bajo y la batería, creando una base sólida para la canción. Juntos, estos elementos crean una textura musical rica y variada.
En una entrevista, el propio Hall describió este álbum como «un espacio claustrofóbico», mostrando la evolución de Tigercub como banda, explorando nuevos territorios musicales mientras se mantiene fiel a sus raíces alternativas. Es un álbum que vale la pena escuchar en su totalidad.
#30
Artista: Judas Priest
Canción: «Trial by Fire»
Autores: Glenn Raymond Tipton, Robert Halford y Richard Faulkner
Álbum: Trial by Fire (single)
Discográfica: Epic Records
Nunca imaginé que llegaría el día en que escogería una canción de Judas Priest para incluirla en mi lista de lo mejor del año. Sin embargo, los dos adelantos que hemos tenido hasta ahora del que será su álbum número 19, Invincible Shield, me parecen absolutamente espectaculares. En particular, «Trial by Fire», que se lanzó hace ahora un mes.
La canción, que ha sido muy bien recibida por los fans y críticos, nos muestra una voz, la de Rob Halford, que suena poderosa junto a una banda que está en pleno rendimiento. A diferencia de «Panic Attack», «Trial by Fire» muestra un enfoque más dinámico y pausado por parte de Judas Priest. Este enfoque más medido y la inclusión de sintetizadores le dan a la canción una sensación fresca y moderna, mientras que aún mantiene el sonido clásico de la banda. Judas Priest, una banda que se formó en 1969, ha logrado evolucionar su sonido a lo largo de los años, mientras se mantiene fiel a sus raíces de. La canción es un testimonio impresionante de su habilidad para crear música poderosa y emocionante, incluso después de tantos años en la industria.
Pero lo que es aún más impresionante es que, después de tantos años de carrera, todavía sigan produciendo música de alta calidad. Las canciones de su próximo álbum son una prueba de ello. Sin embargo, el desafío para ellos en la actualidad es poder interpretar estas canciones en directo de manera efectiva. Esto no se debe a la falta de habilidad de los músicos, sino a las exigencias físicas de las actuaciones en directo. Ya sabéis por dónde van los tiros…
Judas Priest demuestran una vez más por qué son considerados como uno de los grandes del heavy metal. Estoy deseando escuchar el resto del álbum cuando se lance el próximo 8 de marzo.
#29
Artista: Ov Sulfur
Canción: «I, Apostate»
Autores: Josh Schroeder, Morgoth Beatz, Chase Wilson, Ricky Hoover, Leviathvn y Matthew Janz
Álbum: The Burden ov Faith
Discográfica: Nuclear Blast Records
«I, Apostate» de Ov Sulfur, tenía que aparecer sí o sí en este Top 50, una canción que destaca por su mezcla de violines con guitarra y la voz del mismísimo Satanás. Este tema es un poco más metalcore, pero un metalcore venido de las tinieblas. Con unos screamings presentes en gran parte de la canción y una batería contundente, dan como resultado un tema repleto de altibajos (siempre para bien) que nos mantendrán atentos al siguiente movimiento.
Ov Sulfur es una banda que se caracteriza por su deathcore oscuro. The Burden ov Faith (2023) ha sido descrito como un álbum cargado de oscuridad, virtuosismo y contundencia. La banda juega con la atmósfera tanto como con la adrenalina, y es realmente alentador ver un álbum tener éxito por sus propios méritos, incluso dentro de un estilo decididamente de moda.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#28
Artista: Jesus Piece
Canción: «Tunnel Vision»
Autores: Aaron Heard, David Updike, John Distefano y Luis Aponte
Álbum: …So Unknown (EP)
Discográfica: Century Media Records
Jesus Piece nos ha regalado este 2023 una joyita que responde al título de …So Unknown, un EP que supone un regreso arrollador tras su debut de 2018, manteniendo un groove cautivador con ritmos contundentes y la brutalidad vocal característica de Aaron Heard.
Este EP se desenvuelve con la intensidad de un álbum de hardcore, incorporando toques de death metal y metal alternativo para acentuar la ferocidad de sus interpretaciones. La banda demuestra un notable sentido de moderación en sus breakdowns, descomponiendo las composiciones hasta sus elementos esenciales de manera precisa.
En cuanto a «Tunnel Vision», la canción ejemplifica la dedicación de Jesus Piece a la furia y la contundencia, al mismo tiempo que exhibe una disposición a experimentar y evolucionar. En menos de cuatro minutos, la canción ofrece cambios dramáticos de ritmo, explorando diversos modos de pesadez en el proceso. El batería Luis Aponte elige estratégicamente cuándo acompañar las guitarras con doble bombo o mantener el ritmo firme en el suelo durante la ejecución del tema. Los guitarristas David Updike y John Distefano equilibran hábilmente el trabajo angular y armonizado del traste con la furia del chugga, mientras que el bajista Anthony Marinaro completa la ecuación con su contribución precisa.
«Tunnel Vision» es un testimonio claro de la habilidad de la banda para desafiar los límites de su música. Marcados por una audaz experimentación y una fusión de géneros, tanto la canción como el EP en si han sido recibidos con elogios por parte de los críticos, subrayando la capacidad continua de la banda para evolucionar y explorar nuevas fronteras en su expresión musical.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#27
Artista: Periphery
Canción: «Wildfire»
Autores: Misha Mansoor, Mark Hulett Holcomb, Matthew Halpern, Jake Bowen y Spencer Sotelo
Álbum: V: Djent Is Not a Genre
Discográfica: 3DOT Recordings
«Wildfire» de Periphery destaca la maestría musical de la banda al llevar al oyente a un viaje sonoro diverso. La canción transita desde un inicio pesado hasta una jam session de jazz, e incluso evoca una atmósfera reminiscente de un videojuego. Los growls profundamente intensos de Spencer Sotelo, el vocalista, añaden un elemento distintivo a la pista.
La pieza se describe como una fusión entre el estilo de una banda como Glassjaw y la música djent, siendo este último un subgénero del metal progresivo reconocido por sus complejos patrones rítmicos y cuerdas afinadas hacia abajo. La inclusión de un solo de saxofón en el outro se percibe como impresionante y refuerza la capacidad de Periphery para explorar diferentes texturas musicales.
Aunque el término «djent» ha sido asociado con bandas como Meshuggah y Periphery, existe un debate en la comunidad del metal sobre su validez como un género musical distintivo. El álbum más reciente de Periphery, titulado V: Djent Is Not a Genre (2023), muestra la voluntad de la banda para desafiar las convenciones y ampliar las fronteras de su música.
Es importante destacar que, a pesar de las asociaciones con el djent, Periphery niega la existencia de este como un estilo claramente definido de metal. La banda ha demostrado su habilidad para evolucionar y experimentar, como se evidencia en esta pista, que encapsula su esencia distintiva.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#26
Artista: KOP
Canción: «A gasolina» (feat. Juan Aceña Morales)
Autores: Juan Ramón Rodríguez y Juan Aceña Morales
Álbum: A gasolina (single)
Discográfica: Kasba Music
KOP ha desempeñado un papel crucial en la escena musical con su valiente enfoque en las letras políticas, sociales y antirepresivas. Cantadas en euskara, català y español, sus canciones trascienden las barreras lingüísticas para transmitir mensajes impactantes y conscientes.
Lo distintivo de KOP radica en su audacia para denunciar sin reservas la corrupción y decadencia en la sociedad, con un enfoque particular en la realidad española. Tanto su música como sus letras sirven como medio de expresión para criticar y expresar su descontento frente a las injusticias sociales y políticas.
El compromiso social de la banda se manifiesta claramente en su último lanzamiento, «A gasolina», donde colabora con Juan, vocalista de Soziedad Alkoholika. Esta canción se erige como un himno de resistencia y desafío, convocando a la acción contra las injusticias y la corrupción que aquejan a la sociedad. KOP no solo desafía el statu quo, sino que también fomenta la reflexión y el diálogo sobre cuestiones fundamentales a través de su arte.
La importancia de bandas como KOP trasciende el ámbito musical, ya que se convierten en agentes de cambio social. Su música se erige como un vehículo para dicho cambio, y su más reciente sencillo, que veía la luz hace apenas un mes, ejemplifica su compromiso inquebrantable con la crítica social y la lucha contra la injusticia.
#25
Artista: Avenged Sevenfold
Canción: «Mattel»
Autores: Brian Haner, Brooks Wackerman, James Sullivan, Jonathan Seward, Matthew Sanders y Zachary Baker
Álbum: Life Is But a Dream…
Discográfica: Warner Records
Avenged Sevenfold ha tomado una dirección musical audaz y experimental con su último álbum Life Is But a Dream… (2023). Este álbum marca un cambio significativo en su estilo, alejándose de las convenciones de género y las reglas básicas de composición. En lugar de adherirse a una estructura de canción predecible, el álbum se sumerge en una variedad de estilos musicales, incluyendo teatro musical, producción temblorosa, y un crescendo de rock progresivo cargado de sintetizadores.
El álbum ha sido descrito como «psico-metal musical» que es «caleidoscópico, desorientador y valiente» y que realmente refleja el sonido de una banda que ha dejado de preocuparse por lo que la gente piensa de ellos. Los críticos (y nosotr@s) han elogiado el álbum por su audacia y su capacidad para fusionar géneros musicales dispares de una manera que es a la vez coherente y emocionante.
En cuanto a «Mattel», el tema escogido para decorar el meridiano de esta lista, destaca por su crítica de la superficialidad y la conformidad en la sociedad moderna. La canción parece estar basada en la observación del vocalista M. Shadows de cómo vive en este mundo ideal y plástico, como si estuviera diciendo que la vida cotidiana en la sociedad estadounidense se basa más en una fantasía que en la realidad. La canción mezcla riffs masivos, sintetizadores, guitarras ondeantes y una sección que suena como una canción de cuna infantil. La letra proporciona una poderosa crítica de una sociedad consumida por la superficialidad, la conformidad y la falta de conexión humana genuina.
En resumen, Life Is But a Dream… y «Mattel» representan un cambio significativo en la dirección musical de Avenged Sevenfold y demuestra la capacidad de la banda para evolucionar y empujar los límites de su música. Brillante.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#24
Artista: Avatar
Canción: «Dance Devil Dance»
Autores: Carl Henrik Sandelin, Johannes Michael Gustaf Eckerström, John Filip Alfredsson, Jonas Peter Jarlsby y Tim John Öhrström
Álbum: Dance Devil Dance
Discográfica: Black Waltz Records
A medida que transcurren los años y se acumulan los álbumes, he encontrado un creciente aprecio por el arte musical de Avatar, la destacada banda sueca de metal liderada por Johannes Eckerström. Ya desde su anterior trabajo, Hunter Gatherer (2020), empezaron a captar mi atención de manera significativa, pero ha sido con la llegada de su último álbum, Dance Devil Dance (2023), que han logrado conquistarme por completo.
En especial, el tema homónimo que da inicio a esta última obra ha desempeñado un papel fundamental en consolidar mi admiración. «Dance Devil Dance» no solo es efectivo, sino también representativo de la dirección que la banda busca explorar en este lanzamiento. La accesibilidad se fusiona magistralmente con la oscuridad, y destaco especialmente el patrón de batería que exhibe una originalidad sorprendente.
Johannes Eckerström, con su distintiva combinación de guturales y agudos, añade una capa adicional de complejidad a la composición. Lo que resulta aún más fascinante es el pasaje doom que se presenta en la canción, un homenaje evidente a la influencia de Black Sabbath. Este toque distintivo demuestra la habilidad de Avatar para fusionar diferentes elementos y estilos, creando así una experiencia auditiva única y cautivadora. En definitiva, «Dance Devil Dance» ha consolidado mi admiración por la maestría musical de los suecos, dejándome ansioso por explorar más a fondo su catálogo y descubrir las sorpresas que aún pueden deparar en el futuro.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#23
Artista: Hora Zulú
Canción: «El veneno de la serpiente»
Autores: Aitor Velázquez Prados, Francisco Luque Gallardo y Javier Cordovilla Márquez
Álbum: El veneno de la serpiente (single)
Discográfica: Autoproducido
«El veneno de la serpiente», el sorpresivo sencillo lanzado por la banda granaína Hora Zulú el pasado 17 de febrero de 2023 (si bien fue grabado en 2021), se erige como una joya musical que destaca entre las producciones de bandas españolas en el transcurso del año. Conservando su esencia inconfundible y ese toque tan distintivo que los caracteriza, esta canción parece abrazar el estilo más enérgico que marcó sus inicios.
Hora Zulú, reconocida como una de las bandas más únicas y genuinas de España, ha logrado mantenerse fiel a su identidad musical a lo largo de los años. «El veneno de la serpiente» no es la excepción, y su capacidad para fusionar ese toque distintivo con un sonido más cañero de sus primeros días resalta su habilidad para evolucionar sin perder su esencia.
Cada tema de Hora Zulú es un himno impregnado de pasión, y esta última obra no es la excepción. Es curioso que no se haya incluido en su más reciente obra, Miraveh – Volumen 1, pero dado que en este EP, la banda da una nueva vuelta de tuerca a su trayectoria y reivindica más que nunca sus raíces flamencas y la personalidad e intensidad de sus composiciones, parece normal que no se haya incluido.
La canción destaca como uno de los mejores temas ofrecidos por una banda española en 2023. Hora Zulú continúa demostrando su maestría musical y capacidad para sorprender a propios y extraños, dejando a tod@s con las ganas de catar ya el segundo volumen de Miraveh.
#22
Artista: Blowfuse
Canción: «Move On»
Autores: Òscar Puig, Ricard Bouffard, Sergi Bouffard y Henry Salvat
Álbum: Move On (single)
Discográfica: Infected Records / HFMN Crew / Epidemic Records / SBÄM Records
La banda catalana Blowfuse se ha ganado un lugar especial entre las favoritas de la redacción de Science of Noise, y siempre es un deleite sumergirse en su música. Para l@s más despistados, quien aparece en la cabecera de nuestra web regalándonos uno de sus célebres stage divings es Òscar, vocalista de la banda, en una fotografía que fue tomada hace unos años, en la sala Razzmatazz 3, por el malogrado Mauricio Melo. Pues bien, la reciente entrega de la banda, «Move On», el segundo adelanto de su próximo álbum The 4th Wall, programado para lanzarse el 1 de marzo de 2024, es un auténtico trallazo que transporta a los oyentes a la década de los años 90.
Este nuevo sencillo sigue a «State of Denial» y promete estar a la altura de la calidad que los fans experimentaron con su álbum anterior, Daily Ritual (2019). La expectativa está en alza, y la pregunta flota en el aire: ¿The 4th Wall será capaz de superar la excelencia de su predecesor?
«Move On» destaca por su mensaje directo y enérgico, transmitiendo un sentimiento de empoderamiento y la imperativa necesidad de liberarse del peso del pasado para forjar una nueva dirección en la vida. En una era donde el hábito perjudicial de quejarse y auto-compadecerse parece omnipresente, la canción ofrece un recordatorio poderoso de que solo aceptando la realidad y asumiendo la responsabilidad, se puede emprender un viaje hacia una nueva y más positiva dirección.
En definitiva, Blowfuse continúa sorprendiendo y dejando una marca imborrable en la escena musical. Con «Move On», están demostrando una vez más su habilidad para combinar la esencia del pasado con un mensaje contemporáneo, ofreciendo a los oyentes una experiencia que va más allá de la mera música.
#21
Artista: Pierce the Veil
Canción: «Pass the Nirvana»
Autores: Curtis Peoples, David Dahlquist, Pat Morrissey, Paul Meany y Vic Fuentes
Álbum: The Jaws of Life
Discográfica: Fearless Records
Su quinto álbum de estudio, The Jaws of Life, fue lanzado el 10 de febrero de 2023. Este fue el primer álbum de la banda que no contó con el batería Mike Fuentes. La banda se separó de Fuentes en 2017, luego de las acusaciones de conducta sexual inapropiada.
En cuanto a la canción «Pass the Nirvana», fue lanzada como el primer sencillo del álbum el 1 de septiembre de 2022. Según el propio Vic Fuentes, la canción es un himno para la juventud de hoy y trata sobre los numerosos traumas horribles que la juventud de América ha soportado en los últimos años. La canción representa una desconexión eufórica de toda esa ansiedad y estrés y trata de encontrar alguna forma de paz o nirvana.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#20
Artista: Architects
Canción: «Seeing Red»
Autores: Dan Searle y Sam Carter
Álbum: Seeing Red (single)
Discográfica: Epitaph Records
El inesperado lanzamiento de un nuevo sencillo por parte de los británicos Architects a principios de diciembre de 2023 nos pilló a tod@s por sorpresa, generando un revuelo palpable entre los seguidores de la banda. La expectación fue aún mayor al sumergirse en la canción y descubrir que esta estaba impregnada de la esencia característica de Architects: riffs contundentes y unos ganchos que no dejan indiferente a nadie.
La excitación entre los fans alcanzó su punto álgido, sobre todo después de la pequeña decepción que supuso The Classic Symptoms of a Broken Spirit en 2022. Este nuevo single no solo representa un regreso a las raíces sonoras que han consolidado a Architects como una fuerza imparable en el mundo del metal, sino que también sugiere una renovada energía creativa por parte de la banda.
La habilidad de Architects para fusionar la intensidad del metal con elementos melódicos ha sido una firma distintiva a lo largo de su carrera, y este nuevo lanzamiento parece prometer un retorno triunfal a esa fórmula ganadora. La sorprendente revelación de esta nueva pieza musical resalta la imprevisibilidad y la versatilidad artística que siempre han caracterizado a la banda, manteniendo a los seguidores en vilo y ansiosos por lo que vendrá en el próximo capítulo de su trayectoria musical. The «Blegh!» is back.
#19
Artista: Bellako
Canción: «Hazte otro»
Autores: Rober Saez, Roy McClure, Ricard «Pal» Salvatella, Xavi Payan y Arnau «Abbey» Montfort
Álbum: Mala hierba (EP)
Discográfica: Autoproducido
Con el lanzamiento cada nuevo disco de Bellako, la emoción y el orgullo entre los seguidores son inevitables. Desde que el primer adelanto, titulado «Hazte otro», vio la luz a mediados de febrero, el hype fue en aumento. Este tema, bendito sea, está impregnado con el hardcore más fresco y gamberro, acompañado de porros tochos y cargaditos, y marcó el regreso triunfal de la banda a la primera línea.
La firma inconfundible de Bellako, grabada a fuego en cada acorde, deja claro que su habilidad para crear himnos peligrosamente adictivos sigue más vigente que nunca. La provocadora invitación de Rober a «hacerte otro» se convierte en un mandato directo: saca el material, líalo, rúlalo y guarda silencio… una llamada que resuena en la esencia misma del hardcore.
Pero no es solo la potencia de su música lo que destaca, sino también el placer de contar con el arte y el saber hacer de la banda más macarra de Mataró. A la hora de elaborar una selección de lo mejor del año, la presencia de Bellako es indispensable. Su actitud irreverente y su destreza para desafiar los límites del género musical los convierten en un elemento clave al definir qué es lo más destacado del panorama musical.
#18
Artista: P.O.D.
Canción: «Drop» (feat. Randy Blythe)
Autores: Marcos Curiel, Mark Daniels y Sonny Sandoval
Álbum: Drop (single)
Discográfica: Mascot Label Group
¿Echábais de menos la versión más old school de P.O.D.? Pues «Drop» es la respuesta a vuestras oraciones. Veritas (2024), el que ya es el undécimo álbum de estudio de los de San Diego, verá la luz en algún momento de la primavera de 2024 y también cuenta con las colaboraciones de l@s vocalistas Tatiana Shmayluk de Jinjer y Cove Reber, quien estuviera en Scary Kids Scaring Kids y Saosin.
En una inesperada alianza entre el nu metal cristiano y la potencia del groove metal, la banda P.O.D. ha decidido llevar su música celestial a un nivel más pesado, y en este, su último single, han reclutado nada menos que al vocalista de Lamb of God, Randy Blythe, para añadir una dosis extra de ferocidad divina.
Parece que P.O.D. ha decidido fusionar los cielos con el infierno, y el resultado es un cóctel musical que os hará rezar mientras sacudís la cabeza según los parámetro del noble arte del headbanging. «Drop» es algo así como una oración, pero con distorsión y un toque de growl celestial cortesía de Blythe.
P.O.D. y Lamb of God juntos en «Drop» os harán cuestionar si estáis en el cielo, el infierno o simplemente en el epicentro de un moshpit divino. No sé qué opináis vosotr@s, pero para mí este tema es lo más P.O.D. que P.O.D. haya parido desde su época Testify (2006). Amen to that!
#17
Artista: Lamb of God & Kreator
Canción: «State of Unrest»
Autores: David Randall Blythe, John Steven Campbell, Mark Duane Morton, Miland Petrozza y William M. Adler
Álbum: State of Unrest (single)
Discográfica: SharpTone Records
El pasado 10 de febrero de 2023 veía la luz «State of Unrest», una colaboración entre dos de las bandas más destacadas de los últimos años: Lamb of God y las leyendas del thrash metal, Kreator. Este sencillo se lanzó solo cinco días antes de que comenzara su gira europea conjunta, que llevaba el mismo nombre, en Múnich, Alemania.
Lamb of God y Kreator no son solo nombres en la industria del metal, son verdaderos titanes que han dejado una huella indeleble en la música. Su conjunción no podía dar lugar a otra cosa que no fuera un temazo como este «State of Unrest». Esta canción es un testimonio de su talento y habilidad para crear música de calidad.
Más que una canción, es una celebración de la música metal y un recordatorio del poder y la influencia de Lamb of God y Kreator. Este sencillo es un testimonio de su dominio en el género y su compromiso con la creación de música que desafía, inspira y electriza. Con «State of Unrest», han demostrado una vez más por qué son dos de las bandas más destacadas del metal de los últimos años.
«We are chaos detonated»
#16
Artista: Better Lovers
Canción: «30 Under 13»
Autores: Greg Puciato, Jordan Buckley, Clayton Holyoak, Will Putney y Stephen Micciche
Álbum: God Made Me an Animal (EP)
Discográfica: SharpTone Records
Better Lovers es una banda estadounidense de hardcore punk originaria de Buffalo, Nueva York. Formada en 2023 tras la disolución de Every Time I Die, el grupo está compuesto por el vocalista Greg Puciato, los guitarristas Jordan Buckley y Will Putney, el bajista Stephen Micciche y el batería Clayton Holyoak. A menudo se les etiqueta como una superbanda, ya que cuenta con miembros que anteriormente formaban parte de Every Time I Die y The Dillinger Escape Plan, así como un miembro actual de Fit for an Autopsy.
Su EP God Made Me an Animal fue lanzado a inicios del mes de julio, siendo elogiado por su mezcla perfecta de estilos, su caos absoluto, su técnica, su disonancia, su superioridad, su atractivo, su monstruosidad, su meticulosidad y su fuerza.
En cuanto a «30 Under 13», ha sido reconocida como una de las mejores canciones del año por varios medios. La canción es una mezcla perfecta de riffs rápidos y grooves que son a la vez agresivos y pegadizos. La letra expresa el deseo de ser visto y el miedo a ser pasado por alto por el mundo. La canción ha sido elogiada por su intensidad y su capacidad para despertar una parte de Greg Puciato que él pensaba que estaba «completamente extinta».
#15
Artista: Sleep Token
Canción: «Ascensionism»
Autor: Vessel1
Álbum: Take Me Back to Eden
Discográfica: Spinefarm Records / Silent Room Recordings
Obviamente, Sleep Token no podían faltar en este top. La enigmática banda ha destacado en la escena del metal por su enfoque único y misterioso. Sus miembros ocultan sus identidades detrás de máscaras y pintura corporal negra, y su música es una ofrenda al antiguo dios conocido como Sleep. Su estilo lírico complejo y su enfoque místico han capturado la atención de much@s, y su música abarca una variedad de géneros, incluyendo el metal progresivo, el rock alternativo y el pop electrónico.
Su último álbum, Take Me Back to Eden, ha recibido críticas mixtas. Algun@s críticos elogian la ambición de la banda y la maestría con la que combinan diferentes géneros. Sin embargo, otr@s consideran que el álbum es estéril y olvidable, a pesar de su producción impecable.
En cuanto a la canción «Ascensionism», se trata de una pieza musicalmente compleja que combina sonidos muy diferentes: piano suave, sintetizadores etéreos, djent afilado y ráfagas de R&B que juegan con el autotune. La letra es metafórica y está llena de referencias religiosas y espirituales. La canción parece tratar sobre una relación problemática y el deseo del cantante de superarla y crecer personalmente.
Por su innovación musical, sus letras profundas y su recepción positiva, y por mucho más, «Ascensionism», ha sido reconocida como el mejor corte del álbum y, por ende, uno de los temas del año.
#14
Artista: Wargasm
Canción: «Bang Ya Head» (feat. Fred Durst)
Autores: William Frederick Durst, Jason Aalon Butler, Kieron Pepper, Charlie Russell, Zach Jones, Rachel Hastings y Sam Matlock
Álbum: Venom
Discográfica: Blue Grape Music
Wargasm es un dúo británico de rock electrónico formado en 2018 por el músico Sam Matlock y la modelo Milkie Way. Han lanzado varios sencillos, incluyendo «Spit», que ha acumulado millones de reproducciones en Spotify. Su música es una fusión de punk, metal, EDM y hip hop, lo que resulta en un sonido único y emocionante.
Su más reciente trabajo, Venom, ha sido descrito como un viaje entretenido y lleno de energía. Este álbum es una mezcla de géneros que muestra la creatividad y la evolución de la banda. En éste encontramos la canción «Bang Ya Head», una de las más destacadas de este álbum, que cuenta con la participación especial de Fred Durst, el vocalista de Limp Bizkit. El tema es pegajoso y contundente, con una energía que es tanto rítmica como intensa. La presencia de Durst añade un toque especial a la canción, con su estilo vocal característico que complementa perfectamente la energía de Wargasm.
Las críticas han elogiado la canción por su misión simple de ser tanto pegajosa como pesada, y ha tenido éxito en ambos aspectos. La combinación de riffs masivos, electrónica glitchy y los detalles de Durst hacen de «Bang Ya Head» una canción brillante y divertida.
En resumen, Venom de Wargasm es un álbum impresionante que muestra la habilidad de la banda para crear música emocionante y única. Y «Bang Ya Head», con su energía contundente y su colaboración con Fred Durst, es sin duda una de las mejores canciones del álbum.
#13
Artista: Code Orange
Canción: “The Mask of Sanity Slips”
Autores: Dominic Landolina, Eric Balderose, Jami Morgan, Joe Goldman, Max Portnoy y Reba Meyers
Álbum: The Above
Discográfica: Blue Grape Music
«The Mask of Sanity Slips» de Code Orange se cuela en el puesto de la mala suerte. Esta canción, que recuerda a los inicios de Korn, ha sido elogiada por su riff, que algunos consideran el mejor de todo el trabajo de la banda, si bien algunos críticos han señalado similitudes con el riff de «Clown» de la banda liderada por Jonathan Davis. Pero a pesar de ello, la canción ha demostrado ser un éxito en su propio derecho.
Elt ema en cuestión, el número cuatro de The Above, explora temas de duda propia, envidia y la lucha por mantener una fachada de cordura en un mundo cada vez más desafiante. Su letra revela un sentido de celos hacia alguien que posee cualidades como belleza, talento, corazón y pasión.
Code Orange ha demostrado una vez más su habilidad para empujar los límites del género metalcore con «The Mask of Sanity Slips», y a pesar de las críticas, la banda ha logrado captar la atención de una amplia gama de oyentes, consolidándose como una de las bandas más emocionantes del panorama musical de este 2023.
#12
Artista: Scowl
Canción: “Opening Night”
Autores: Bailey Lupo, Cole Gilbert, Kat Moss y Malachi Greene
Álbum: Psychic Dance Routine (EP)
Discográfica: Flatspot Records
Scowl, la banda californiana que ha causado sensación en el panorama alternativo de 2023, ha logrado captar la atención de los amantes del punk con su enérgico y apasionado estilo. Liderada por Kat Moss, la banda ha destacado por su habilidad para transmitir intensidad y emoción a través de su música.
Uno de los temas más destacados de Scowl en 2023 ha sido «Opening Night», una canción que ha resonado con fuerza en la escena punk. El tema, que forma parte de su EP Psychic Dance Routine, es un himno punk que captura la esencia de la banda. Su letra habla de abrirse a alguien una y otra vez, de la repetición de la misma canción y baile todas las noches, y de cómo esto se convierte en parte del plan. Esta canción ha sido muy bien recibida por los fans, especialmente en sus actuaciones en directo.
Scowl ha demostrado ser una banda que no teme empujar los límites del punk, y esta «Opening Night» es un claro ejemplo de ello.
#11
Artista: Spiritbox
Canción: “Cellar Door”
Autores: Courtney LaPlante, Daniel Abraham Braunstein y Michael Barry Stringer
Álbum: The Fear of Fear (EP)
Discográfica: Rise Records / Pale Chord Music
Spiritbox nos regalaba a inicios de noviembre su The Fear of Fear, un EP muy completo y con un estilo frenético, que traía a modo de carta de presentación la furiosa «Cellar Door», la que quizá sea su pieza más dura hasta la fecha. Esta canción se adentra en temas de existencialismo, lucha personal y la naturaleza efímera de la esperanza, y su letra parece explorar un sentido de desesperanza y una constante batalla contra los demonios internos.
Este EP, que destaca por su mezcla única de elementos de metal, rock alternativo y post-hardcore, ha cautivado a audiencias en todo el mundo con su música inquietante y emotiva, a pesar de las opiniones de algun@s que consideran que lo de estos canadienses es intrusión laboral y que no son lo suficientemente trve. Y aquí es donde entra en escena el «baddiecore», término acuñado por Craig Reynolds, batería de Stray From the Path, para describir a bandas como Spiritbox. El término se refiere a «metalcore con suficiente cruce de música pop y atractivo sexual que a la gente ‘normie’ y atractiva le gusta». En este sentido, Spiritbox podría considerarse una banda de baddiecore, ya que su música tiene un atractivo masivo y ha logrado captar la atención de una amplia gama de oyentes.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#10
Artista: Skindred
Canción: “Gimme That Boom”
Autores: Clive Webbe, Daniel Pugsley, Michael Fry y Arya Goggin
Álbum: Smile
Discográfica: Earache Records
Lo de Skindred es asombroso: que lleven dando guerra durante tanto tiempo y que apenas ahora se les esté empezando a dar el crédito que tanto se merecen. Pero estoy sinceramente contento de que finalmente estén recibiendo toda la atención del mundo. Con «Gimme That Boom» me pasa, una vez más, lo mismo que me sucedió cuando escuché «That’s My Jam», el primer single de su anterior trabajo de estudio Big Tings (2018), por primera vez: TE-MA-ZO y punto.
La banda del ex Dub War Benji Webbe vuelve a demostrar que no hay manera de matar lo que no puede ser matado. ¡Que su híbrido de géneros y grandiosidad perdure para siempre!
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#9
Artista: Fever 333
Canción: “$wing”
Autores: Jason Aalon Butler y Michael Barry Stringer
Álbum: $wing (single)
Discográfica: 333 Wreckords Crew / Century Media Records
¿Acaso alguien les daba por muertos tras la marcha de Stephen Harrison y del espectacular Aric Improta? Hay que andarse con ojo porque las incorporaciones al lineup de la bajista April Kae (hasta ahora, puesto vacante), el guitarrista Brandon Davis y el batería Thomas Pridgen parecen haber insuflado aire de lo más puro a los pulmones del ahora cuarteto de Inglewood. «$wing» es el apetitoso primer adelanto del que será su segundo LP tras su soberbio Strength in Numb333rs (2019). Amo esta banda y me alegra verlos de vuelta. Este tema supera todas mis expectativas y estoy emocionado por ver qué más nos traen los renovados Fever 333.
#8
Artista: Extreme
Canción: “Rise”
Autores: Gary Cherone, Nuno Bettencourt y Jordan Ferreira
Álbum: Six
Discográfica: earMUSIC
Es encomiable que una banda tan longeva como Extreme sea capaz de publicar, tres décadas después de su debut, un álbum como Six. Su primer sencillo, «Rise», es adictivo y muestra la habilidad de la banda para crear música que es tanto fresca como fiel a sus raíces.
El hecho de que todavía haya gente que les tilde de One Hit Wonders es, cuanto menos, lamentable. Negar la evidencia de su talento y su contribución a la música es una temeridad solo al alcance de mentes ignorantes.
Los de Boston están más en forma que nunca. Six es uno de los discos del año, un regreso por la más grande de las puertas. «Rise», no solo es adictiva, sino que posee el mejor solo de guitarra de este curso. Nuno es un virtuoso de la guitarra, Gary es un vocalista excepcional y juntos, crean música que es poderosa, emotiva y absolutamente cautivadora.
Si no puedes ver más allá de tus prejuicios y apreciar la música de Extreme por lo que es, entonces eres tú quien está perdiendo. Extreme es una banda que ha resistido la prueba del tiempo y sigue creando música que es relevante, emocionante y absolutamente adictiva.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#7
Artista: Avern
Canción: “Hell on Earth”
Autores: E. Bergadà, P. Delgado, J. Guerrero y Letxon
Álbum: Hell on Earth
Discográfica: Hell on Earth
Los catalanes Avern han crecido y madurado tanto que se han convertido en una de las bandas de metal extremo de referencia dentro de la cada vez más nutrida y potente escena underground. Su propuesta ennegrecida de death y punk implosiona en canciones como esta que abre su más reciente trabajo, un álbum de gran calidad que lleva al extremo una fórmula que, lejos de estar manida, es cada vez más excitante, sobre todo si la manejan ellos.
#6
Artista: In Flames
Canción: “Meet Your Maker”
Autores: Björn Gelotte, Anders Fridén y Howard Benson
Álbum: Foregone
Discográfica: Nuclear Blast Records
Nunca me he considerado fan de los suecos In Flames ni de ninguna otra banda de melodeath escandinava, pero cuando este single vio la luz a principios de año, me voló la cabeza. ¡Tremendo! Que una banda como ellos vuelva a sus fueros, es de celebrar, y también me alegra que hayan vuelto con Nuclear Blast Records, una major que realmente apoya el sonido clásico de la banda que sus fans tanto aman, pero nunca pensaron que recuperarían. La adición al lineup de ex Megadeth Chris Broderick fue una decisión excelente.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#5
Artista: Bring Me the Horizon
Canción: «AmEN!» (feat. Lil Uzi Vert and Daryl Palumbo)
Autores: Jordan Fish, Lee Malia, Oliver Sykes y Zakk Cervini
Álbum: AmEN! (single)
Discográficas: Sony Music Entertainment / RCA Records
La banda británica de metalcore, ha sido una fuerza innovadora en la música metal, y su influencia ha sido fundamental para mantener el género vibrante y relevante en 2023. Su enfoque experimental y su disposición a fusionar géneros les ha permitido explorar nuevos territorios sonoros, lo que ha resultado en una música que es fresca, emocionante y decididamente moderna.
Su canción «AmEN!», una colaboración con el cantante de trap Lil Uzi Vert y Daryl Palumbo, vocalista de los gloriosos Glassjaw, es un ejemplo perfecto de esta innovación. Esta canción fusiona elementos del metalcore con el trap y el post-hardcore, creando un sonido único que desafía las convenciones del género. Estas colaboraciones vienen a demostrar la disposición de Bring Me the Horizon a colaborar con artistas de diferentes géneros para crear algo verdaderamente único y novedoso. Además, la banda ha demostrado una habilidad impresionante para evolucionar y adaptarse a lo largo de los años. Desde sus inicios en el metalcore hasta su exploración de géneros como el rock electrónico y el pop, la banda liderada por Oliver Sykes ha demostrado una capacidad única para reinventarse y mantenerse relevante.
Y su estribillo, ese sublime estribillo, el mejor de este año:
«So tell all your friendsThis is the end of everythingToo late to repentWe’ll bathe in the blood of the damnedWe will sanctify (rise, my brethren)Purify (purge out the sin)Rejoice in their sorrow and singAll hail next gen (all hail next gen)Can I get an amen?»
En definitiva, Bring Me the Horizon ha demostrado ser una de las bandas más innovadoras este 2023. Su disposición a experimentar y colaborar con artistas de diferentes géneros ha resultado en una música que es fresca, emocionante y decididamente moderna. En este sentido, se podría decir que Bring Me the Horizon está salvando la música metal, llevándola a nuevas direcciones y asegurando su relevancia para las nuevas generaciones de fans.
#4
Artista: Blood Command
Canción: “Heaven’s Hate”
Autores: Nikki Brumen, Yngve Andersen, Benjamin Berge, Snorre Kilvær y Sigurd Haakaas
Álbum: World Domination
Discográfica: Hassle Records
La banda Blood Command ha vuelto a la escena musical con su más reciente trabajo, World Domination. Este álbum muestra la evolución de la banda y su habilidad para fusionar géneros y estilos de una manera única y emocionante.
El segundo corte del álbum, «Heaven’s Hate», es una muestra perfecta de esta evolución. Es una descarga breve pero intensa de hardcore que se te queda ahí, en la puta sesera. La voz de Nikki suena desgarradora y furiosa, un contrapunto perfecto a la música caótica y agresiva que la acompaña. La canción es un torbellino de emociones y energía que captura la esencia de lo que hace a Blood Command una banda tan cautivadora.
«Heaven’s Hate» comienza y termina con «Bow Down Bitches Part 2», en clara alusión al hit de Beyoncé «Bow Down». Esta referencia no es casual, sino una declaración de poder y auto-afirmación. Los noruegos no tienen miedo de tomar prestado de los grandes, y lo hacen con una confianza y audacia que es verdaderamente admirable.
¡Menudo temazo, joder! «Heaven’s Hate» es una canción que te atrapa desde el primer acorde y no te suelta hasta el final. Lástima que pase tan rápido. Pero eso es lo que hace que sea tan especial. Te deja con ganas de más, y eso es exactamente lo que una buena canción debería hacer. ¡Bravo, Blood Command! Tremendo chute de adrenalina.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#3
Artista: Foo Fighters
Canción: “The Glass”
Autores: Dave Grohl, Rami Jaffee, Nate Mendel, Chris Shiflett y Pat Smear
Álbum: But Here We Are
Discográfica: Roswell Records / RCA Records
But Here We Are, el primer álbum de Foo Fighters tras la trágica pérdida de Taylor Hawkins, es una obra maestra de la música. Es un álbum que destaca no solo por su excelencia musical, sino también por la profundidad emocional que transmite.
La canción que ocupa el puesto número cinco, «The Glass», es un ejemplo perfecto de esto. A partir de ésta, aunque la música cambia un poco, la intensidad emocional apenas cede. Es la primera canción del álbum que es más pop que rock, y nos habla de la experiencia común de la presencia persistente de alguien que ha muerto recientemente:
«I had a vision of you, and just like that
I was left to live without it, left to live without it»
Entre ritmos menos llenos de ira, brillan los solos de guitarra, mientras que la voz de Dave Grohl sigue sonando poderosa. Sus letras aquí tocan emociones profundas a medida que se enfrenta al hecho de que el show continuará sin las personas que ya no están, asumiendo que la vida (su vida) nunca será como antes.
But Here We Are es un testimonio de la resiliencia y la fortaleza de Foo Fighters. A pesar de la pérdida y el dolor, han creado un álbum que es a la vez un tributo a su compañero de banda y una afirmación de su compromiso continuo con la música. Es, sin duda, un álbum soberbio, y «The Glass» no hace más que demostrarlo.
Aquí podéis leer nuestra reseña.
#2
Artista: Falling in Reverse
Canción: “Watch the World Burn”
Autores: Ronnie Radke, Tyler Smyth, Cody Quistad, Christian Thompson y Tyler Burgess
Álbum: Watch the World Burn (single)
Discográfica: Epitaph Records
«Watch the World Burn» de Falling in Reverse es una pieza musical que destaca por su complejidad y profundidad. Esta canción es un testimonio del talento y la habilidad de la banda para crear música que es tanto emocionalmente resonante como técnicamente impresionante.
El líder y vocalista de la banda, Ronnie Radke, es una figura controvertida en el panorama musical actual. A pesar de ser uno de los personajes más odiados, su talento y habilidad para la música son innegables. Su voz es una parte integral de lo que hace a «Watch the World Burn» una canción tan poderosa. La complejidad de la canción se manifiesta especialmente en el apartado vocal. Radke demuestra su rango y habilidad vocal, pasando de tonos suaves y melódicos a gritos intensos y apasionados. Su voz es una herramienta poderosa que utiliza para transmitir la emoción y la intensidad de la canción.
Estamos ante una canción que desafía las expectativas y muestra la habilidad de Falling in Reverse para crear música que es única y emocionante. A pesar de la controversia que rodea a la banda y a Radke, su música habla por sí misma. Es una canción que merece ser escuchada y apreciada por su complejidad y profundidad emocional.
#1
Artista: Crim
Canción: “Revolta dels somriures”
Autores: Joaquim Mas Bañeras, Adrià Bertran Martínez, Francisco Javier Dorado López y Marc Anguela Queralt
Álbum: Cançons de mort
Discográfica: HFMN-Tesla Records / BCore Disc / Pirates Press Records / Cargo Records
Crim lo han vuelto a lograr con su nuevo trabajo Cançons de mort, una potente colección de canciones de punk rock que se suceden una tras otra con una potencia arrebatadora, casi sin respiro El álbum destaca por su espíritu crítico y radical, con letras que denuncian la situación de su ciudad, Tarragona, la superficialidad, la dictadura de los algoritmos y la clase política.
En cuanto a la canción «Revolta dels somriures», es una de las más destacadas y pega todo el tufillo a acabar por convertirse en un clásico instantáneo. La letra de la canción habla sobre la sensatez y la cobardía, y critica a aquellos que se vuelven complacientes y cómodos en su zona de confort. Es una canción poderosa que refleja la actitud crítica y desafiante de la banda y es, sin duda, MI canción del año.
«Convertim el senyEn un movimentLa covardia en tarannàCelebra el dolPenjat del collPerquè ets pacifistaPer què parlem del senyCom a moviment?La sintonia dels de daltTeniu un nomI el sap tothomPutus lliristes»
Aquí podéis leer nuestra reseña.
En conclusión, esta lista es solo una ventana al vasto y feroz universo del metal. Así que, ya sea que estés navegando las aguas tumultuosas del thrash con Angelus Apatrida, sumergiéndote en el circo oscuro de Avatar, o explorando los territorios sonoros post-apocalípticos de Code Orange, recuerda que cada banda es un titán en su propio derecho.
Este año, el mundillo del rock y el metal ha sido una epopeya sonora, y estas 50 canciones son solo la punta de un afilado iceberg. Agradezco a cada banda que ha contribuido a esta sinfonía cacofónica, y a ti, intrépido metalero, por embarcarte en este viaje. Que la llama del metal arda eternamente en tus oídos, y que la búsqueda de nuevas gemas sonoras nunca termine.
Tipo peculiar y entrañable criado a medio camino entre Seattle, Sunset Boulevard y las zonas más húmedas de Louisiana. Si coges un mapa, y si cuentas con ciertos conocimientos matemáticos, verás que el resultado es una zona indeterminada entre los estados de Wyoming, South Dakota y Nebraska. Una zona que, por cierto, no he visitado jamás en la vida. No soy nada de fiar y, aunque me gusta “casi todo lo rock/metal”, prefiero las Vans antes que las J’hayber.
