En medio de la incertidumbre y la distancia impuestas por la pandemia del COVID-19, la industria musical se enfrentó a desafíos sin precedentes. Sin embargo, en lugar de sucumbir al silencio, una ola de solidaridad y creatividad barrió el mundo del rock y el metal. En un acto de resistencia contra la adversidad, músicos legendarios y emergentes se unieron virtualmente para dar vida a un fenómeno inspirador: la colaboración musical. A través de conexiones en línea y grabaciones remotas, surgieron interpretaciones únicas y emocionantes de los clásicos del rock y el metal, desafiando las fronteras físicas y culturales.
Durante los meses más desafiantes de dicha pandemia, emergieron dos pilares de creatividad y camaradería en la escena del rock y el metal, si bien ambos canales ya existían antes de que estallara todo: Two Minutes to Late Night y Slaves on Dope. Two Minutes to Late Night, conocido como el único programa de entrevistas temático de heavy metal del mundo, fue creado por Jordan Olds y Drew Kaufman y cuenta con la participación de la banda Mutoid Man. Mientras tanto, Slaves on Dope, canal de la banda canadiense de metal del mismo nombre, destacó por su iniciativa colaborativa, produciendo decenas de versiones colaborativas de clásicos de la escena.
Durante los meses en los que los conciertos en vivo y los eventos musicales se vieron cancelados o pospuestos, Two Minutes to Late Night ofreció un refugio virtual donde l@s fans podían conectarse con sus artistas favoritos y descubrir nueva/vieja música. A través de entrevistas íntimas, actuaciones exclusivas y segmentos divertidos, el canal se convirtió en un punto de encuentro para la comunidad metalera, brindando un sentido de comunidad y pertenencia en un momento de aislamiento físico. Además de su contenido original, Two Minutes to Late Night también destacó por sus colaboraciones únicas y creativas, desde covers de clásicos del rock y el metal hasta parodias ingeniosas.
Por otro lado, durante los meses más difíciles de la pandemia, la banda Slaves on Dope también hizo de las suyas en YouTube. Conscientes de los desafíos a los que se enfrentaban l@s músicos y l@s fanátic@s debido a las restricciones de distanciamiento social, idearon un proyecto ambicioso y emocionante: producir decenas de versiones colaborativas de clásicos del rock y metal. A través de conexiones virtuales y grabaciones remotas, reunieron a una impresionante lista de músicos de todo el mundo, cada un@ aportando su propio estilo y pasión a las grabaciones. La iniciativa de Slaves on Dope no solo proporcionó un escape bienvenido de la incertidumbre y la ansiedad de la pandemia, sino que también demostró el poder de la música para unir a las personas en tiempos difíciles, pues las ventas de las canciones a través de su Bandcamp, en colaboración con Roadie Relief, iban destinadas a ayudar a los trabajadores de los eventos en directo, quienes se vieron duramente afectados por la pandemia debido al secuestro de la música en vivo que vivimos durante aquella época oscura.
En este artículo, exploraremos cinco (y un bonus) de estas colaboraciones, las que más me han gustado, entre las decenas que se subieron a YouTube en su día, ordenadas por orden de publicación en línea. Desde épicas reinterpretaciones de himnos icónicos hasta inesperadas fusiones de estilos, esta es una celebración de la unión y la creatividad que floreció en la oscuridad de la pandemia. Así que preparaos para sumergíos en un mundo donde la música trasciende las limitaciones del tiempo y el espacio, en una revolución musical sin precedentes.
«We Care a Lot»
Artista: Faith No More
Álbum: We Care a Lot (1985)
Autores: William Gould y Rodney Christoper Bottum
Fecha de estreno en YouTube: 20 de octubre de 2020
En 1985, Faith No More irrumpió en la escena musical con «We Care a Lot», una canción que desafiaba las normas y se convertía en un himno para la generación contracultural. Nacida de la búsqueda de la banda por su identidad musical, la canción fusionaba rock alternativo, funk y toques de metal, creando un sonido fresco y enérgico.
La batería contundente de Mike Bordin, el bajo funky de Billy Gould, los riffs memorables de Jim Martin y la experimentación de Roddy Bottum en los teclados construían la base perfecta para la voz irreverente y sarcástica del malogrado Chuck Mosley, vocalista original de Faith No More.
La letra de «We Care a Lot» es una mordaz crítica a la cultura de la celebridad, la hipocresía y la superficialidad de la sociedad. Mosley canta con ironía sobre la obsesión por la fama y el dinero, exponiendo la falsedad de las apariencias y la vacuidad de la búsqueda del éxito a toda costa.
La canción llegó especialmente a aquell@s que se sentían desencantados con las normas sociales y la hipocresía del sistema, convirtiéndose en un símbolo de rebeldía y autenticidad. La canción desafiaba las expectativas, cuestionaba el status quo y se convertiría en un himno para una generación que buscaba algo diferente.
El impacto de «We Care a Lot» ha trascendido las décadas, inspirando a bandas de diversos géneros y consolidando a Faith No More como una de las bandas más innovadoras y originales del panorama musical. Su mensaje crítico y su sonido único siguen muy vigentes hoy en día, recordándonos la importancia de cuestionar las normas y defender la autenticidad.
«We Care a Lot» no solo marcó a una generación, sino que también sigue inspirando a artistas de hoy en día. El 20 de octubre de 2020, la banda Slaves on Dope, declarados fans de Faith No More, publicaron en su canal de YouTube una poderosa versión de la canción.
Esta nueva versión reunió a un elenco estelar de músicos del rock y el metal, incluyendo, además de Kevin Jardine de Slaves on Dope, a Bill Kelliher de Mastodon, Frank Bello de Anthrax, Ray Luzier de Korn, Ivan Doroschuk de Men Without Hats, Dennis Lyxén de Refused, Walter Schreifels de Quicksand, Kevin Sharp de Brutal Truth, Darryl McDaniels de Run-DMC, Esoteric de Czarface, Richard Patrick de Filter y Raine Maida de Our Lady Peace.
«Rusty Cage»
Artista: Soundgarden
Álbum: Badmotorfinger (1991)
Autor: Chris Cornell
Fecha de estreno en YouTube: 29 de octubre de 2020
El guitarrista Kim Thayil, quien aparece brevemente al principio del video, comentó sobre la canción:
«La afinación en esa canción era bastante loca. Está grabada con un pedal wah wah en la posición baja usado como filtro. Esa fue la primera vez que hicimos algo así. Fue idea de Chris; quería obtener ese tono extraño que no puedes realmente ajustar en un amplificador. Pero si usas el wah wah como un filtro, obtienes un sonido increíblemente extraño. Y si escuchas ese riff, especialmente si has escuchado las demos originales de él, casi suena al revés.»
La canción destaca por su innovador uso de la afinación de guitarra y por su cambio de tempo hacia el final, lo que refleja la experimentación y la diversidad del sonido grunge de la época. La década de los 90 fue una era de gran efervescencia musical, marcada por la popularidad del grunge, el Britpop, el rock alternativo y otros géneros de música alternativa que entraron en la corriente principal. Bandas como Nirvana, Pearl Jam y, obviamente, Soundgarden, llevaron el grunge a las masas, mientras que en el Reino Unido, grupos como Oasis y Blur definían el Britpop. Además, el rock industrial y el metal también ganaron popularidad durante estos años.
«Rusty Cage» no solo capturó la energía cruda y la actitud rebelde del grunge, sino que también se convirtió en parte de la banda sonora de la cultura juvenil de la época. La canción incluso fue versionada por el legendario Johnny Cash, lo que demuestra su amplio alcance e influencia en la música más allá del rock.
Pues bien, entre las joyas que surgieron durante aquellos tiempos pandémicos, destaca esta versión que encontró una nueva vida gracias a la colaboración de músicos legendarios en el canal de YouTube de Charlie Benante, batería de Anthrax y ahora también de Pantera, que se unieron para rendir homenaje a este clásico. Hablamos de William DuVall de Alice in Chains, William Kelliher de Mastodon, Mark Menghi de Metal Allegiance, además del propio Benante.
«Caught in a Mosh»
Artista: Anthrax
Álbum: Among the Living (1987)
Autores: Joey Belladonna, Dan Spitz, Scott Ian, Frank Bello y Charlie Benante
Fecha de estreno en YouTube: 14 de diciembre de 2020
«Caught in a Mosh», el himno thrash metal de Anthrax, lanzado en 1987, se ha convertido en una pieza fundamental del género gracias a su ritmo frenético, riffs contundentes y la voz característica de Joey Belladonna. En diciembre de 2020, justo antes de Navidad, la canción experimentó un nuevo renacimiento con una poderosa versión que reunió a un grupo de destacados músicos del panorama metalero actual.
No quisiera parecer pedante, pero «Caught in a Mosh» es la mejor canción de la banda Anthrax, y punto. Incluida en su álbum de 1987 Among the Living, es uno de los temas más emblemáticos de Anthrax y un clásico del thrash metal.
La letra de «Caught in a Mosh» habla sobre la experiencia de estar en medio de un mosh pit, una práctica común en conciertos de metal y punk, que seguro que tod@s hemos sufrido en nuestras carnes, donde la juventud se empuja, chocan y bailan frenéticamente al ritmo de la música. La canción captura la energía y la intensidad de este tipo de actividad, con letras que reflejan la adrenalina y el caos de la situación:
«What is it? Caught in a mosh
What is it? Caught in a mosh
What is it? Caught in a mosh
What is it? Caught in a mosh»
Musicalmente, la canción presenta riffs de guitarra poderosos y rápidos, un ritmo acelerado y un coro pegadizo que invita a la audiencia a unirse al caos del mosh pit. La combinación de la letra agresiva y la música enérgica convierte a este himno en una de las canciones más populares y emocionantes del extenso catálogo de Anthrax, y sigue siendo un punto culminante de sus actuaciones en directo hasta el día de hoy.
Esta versión de «Caught in a Mosh» se subió al canal de YouTube Two Minutes To Late Night, un programa de entrevistas y presentaciones musicales conocido por su ambiente enérgico y su pasión por el rock y el metal, y en ella colaboran, además de Jordan Olds aka Gwarsenio Hall, Erlend Hjelvik de Hjelvik y ex Kvelertak, Dave Davidson de Revocation y Gargoyl, Mark Holcomb de Periphery y Haunted Shores, Aaron Patrick de All That Remains y Bury Your Dead, Daniel Wilding de Carcass, Dwid Hellion de Integrity, Shawna Potter de War on Women y Panamama, y la actriz Mary Houlihan en el papel de Valerie Carcrash.
«Mouth for War»
Artista: Pantera
Álbum: Vulgar Display of Power (1992)
Autores: Dimebag Darrell, Vinnie Paul, Phil Anselmo y Rex Brown
Fecha de estreno en YouTube: 2 de marzo de 2021
«Mouth for War», señoras y señores. La canción, propiedad exclusiva de la banda de groove metal Pantera, incluida en su álbum de 1992 Vulgar Display of Power, es una de las canciones más emblemáticas de la banda de los malogrados hermanos Abbott (por cierto, el padre de Dimebag y Viinie Paul falleció hace un mes) y es conocida por su ritmo agresivo y su letra confrontativa.
«Mouth for War» habla sobre la idea de enfrentarse a los desafíos y las adversidades con determinación y agresividad. El título de la canción sugiere una actitud de confrontación y preparación para la batalla, tanto física como mentalmente. La letra también aborda temas de autodeterminación y resistencia, instando al oyente a mantenerse firme y luchar por lo que cree.
Musicalmente, la canción presenta riffs de guitarra pesados y poderosos, un ritmo contundente y la distintiva voz de Phil Anselmo, que transmite una sensación de rabia y determinación. La canción es un ejemplo destacado del estilo groove de Pantera, combinando elementos del thrash metal con ritmos pesados y sincopados.
La canción se ha convertido en un himno para muchos fans del metal debido a su energía, su mensaje directo y su capacidad para inspirar agresión positiva y empoderamiento en sus oyentes. Para la ocasión Jordan Olds aka Gwarsenio Hall reunió a un elenco de féminas –Lzzy Hale de Halestorm, Reba Meyers de Code Orange, Gina Gleason de Baroness y Madi Watkins de Year of the Knife– y a Ben Koller de Mutoid Man, Converge, All Pigs Must Die y Killer Be Killed tras la batería.
«She Watch Channel Zero»
Artista: Public Enemy
Álbum: It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back (1988)
Autores: Carlton «Chuck D» Ridenhour, Eric «Vietnam» Sadler, Hank Shocklee, Richard «Professor Griff» Griffin y William «Flavor Flav» Drayton
Fecha de estreno en YouTube: 5 de abril de 2021
En la tumultuosa década de 1980 en los Estados Unidos, se gestaron profundas transformaciones tanto a nivel social como político. El telón de fondo de la Guerra Fría se desvanecía, mientras que la epidemia del crack azotaba de manera desproporcionada a las comunidades afroamericanas, exacerbando las ya existentes desigualdades económicas. En medio de este panorama, surgieron voces que desafiaron el status quo, y entre ellas, Public Enemy se erigió como un faro de resistencia y denuncia.
«She Watch Channel Zero» es una pista emblemática de su álbum It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back, lanzado en 1988. Esta canción destaca por su poderoso mensaje social y político, así como por su distintivo sonido que fusiona el rap con muestras de rock y metal.
La letra de la canción critica abiertamente la influencia de los medios de comunicación en la sociedad, especialmente la televisión, advirtiendo sobre los peligros de la manipulación mediática y el lavado de cerebro. La frase «She watch channel zero» se interpreta como una metáfora de una sociedad que está pasivamente absorbida por la programación superficial y alienante de la televisión, sin cuestionar la información que se le presenta.
Musicalmente, la canción está construida sobre un sampler del clásico de 1970 de Black Sabbath, «Behind the Wall of Sleep», tercer tema del homónimo debut discográfico de la banda de Birmingham, lo que le confiere un carácter distintivo y una energía intensa. La producción de la pista, a cargo de los miembros del grupo, especialmente el productor principal, Hank Shocklee, junto con la producción adicional de The Bomb Squad, contribuye a su atmósfera frenética y desafiante.
«She Watch Channel Zero» se convirtió en un himno para aquellos que buscaban cuestionar la autoridad y desafiar las normas impuestas por la sociedad y los medios de comunicación. Su impacto perdura hasta el día de hoy, siendo reconocida como una de las canciones más influyentes del hip hop político y consciente.
La canción sigue siendo relevante hoy en día, en una era en la que estamos constantemente bombardeados con información y estímulos, tal y como dejaron claro Billy Gould y Mike Bordin de Faith No More, Mix Master Mike de Beastie Boys, S.A. Martínez de 311, Bill Kelliher de Mastodon, MC Serch de 3rd Bass, Derrick Green de Sepultura, Sen Dog de Cypress Hill, Toby Morse de H2O, Ron English de Popaganda y Kevin Jardine de Slaves on Dope, en la versión que interpretaron para el canal de YouTube de Slaves on Dope a inicios de abril de 2021.
Bonus track: «Just Another Victim»
Artistas: Helmet & House of Pain
Álbum: Judgment Night (Music From the Motion Picture) (1993)
Autores: Page Hamilton, Henry Bogdan, John Stanier, Rob Echeverría, Erik Francis Schrody «Everlast», Daniel O’Connor «Danny Boy» y Leor Dimant «DJ Lethal»
Fecha de estreno en YouTube: 27 de septiembre de 2021
Si bien la película Judgment Night (1993) ha recibido críticas mixtas, por no decir que es mala de cojones, su banda sonora se ha convertido en un clásico de las bandas sonoras en general y del rap rock en particular, compartiendo podio con las de otras cintas, como por ejemplo The Crow (1994), El día de la Bestia (1995) o Spawn (1997). Entre las colaboraciones explosivas –y por aquél entonces, cada vez más habituales– que componen este álbum, «Just Another Victim» de Helmet y House of Pain destaca por su cruda fusión de metal alternativo y hip hop, capturando la esencia de la película: la violencia urbana, la frustración social y la lucha por la supervivencia.
La canción se abre con un riff de guitarra distorsionado y la voz áspera de Page Hamilton de Helmet, creando una atmósfera de tensión y hostilidad. La letra de Helmet refleja la rabia y la impotencia ante un mundo plagado de violencia e injusticia. Tras el verso inicial de Helmet, la canción da un giro hacia el hip hop con la intervención de Danny Boy y de DJ Lethal de House of Pain. Sus letras, cargadas de referencias a la vida en la calle y la brutalidad policial, aportan una perspectiva más urbana y cruda a la narrativa. La combinación del metal alternativo de Helmet con el hip hop de House of Pain crea una sinergia única que refleja la diversidad cultural y social de la ciudad representada en la película. La canción no solo critica la violencia, sino que también explora la frustración y la falta de oportunidades que la alimentan.
La banda sonora de Judgment Night es considerada una de las mejores de su época y ha influenciado a varias generaciones de músicos. Su mezcla de géneros musicales y su mensaje socialmente relevante la convierten en una obra maestra atemporal, así que no es de extrañar que Kevin Jardine de Slaves on Dope se rodeara de tamaño elenco de musicazos: Chris Kael de Five Finger Death Punch, Tony Palermo de Papa Roach, Matt McGachy de Cryptopsy, Bret «Epic» Mazur de Crazy Town, Lou Koller de Sick of It All, Rhyme Style Troop, Slaine de La Coka Nostra, DJ Lord de Public Enemy y Bill Kelliher de Mastodon.
Tipo peculiar y entrañable criado a medio camino entre Seattle, Sunset Boulevard y las zonas más húmedas de Louisiana. Si coges un mapa, y si cuentas con ciertos conocimientos matemáticos, verás que el resultado es una zona indeterminada entre los estados de Wyoming, South Dakota y Nebraska. Una zona que, por cierto, no he visitado jamás en la vida. No soy nada de fiar y, aunque me gusta “casi todo lo rock/metal”, prefiero las Vans antes que las J’hayber.
